制造伍德斯托克音乐节

文/冯凝Taking Woodstock，重点在Taking。

与之前在文艺青年群体内大火的《海盗电台》，甚至《几近成名》相比，这部与音乐关系密切的电影并不那么具有音乐电影的特质，甚至全片没有出现任何一段超过1分钟的音乐演奏段落，伍德斯托克也仅仅被弱化为一个叙事背景，不知李安导演是难于拾起操控这种纯美国式的音乐电影的勇气，还是刻意选取其他角度投射他内心的另外一些欲望，但可以确定的是，戛纳对影片的反应可谓不温不火。

在历史事件下聚焦个体人物，随之发展衍生出关于人性的主旨，似乎是李安近来创作的典型模式，也许这在威尼斯很吃香——《断背山》《色戒》都凭借这样的设定摘取金狮——但不一定适合所有人的胃口。

《制造伍德斯托克音乐节》唯一真正的背离“李安模式”在于全片都平稳的潜伏在一条温顺的剧情线上下，没有剧烈的波动和冲突。

之前的电影常常在影片的高潮和结局阶段设置的那种具有震撼性的当头一棒，在本片中了无踪迹：我们在《冰风暴》《色戒》《断背山》里不断经历着死亡的洗礼，即使是处女作《推手》，也有郞雄扮演的父亲以太极拳对峙餐厅员工的场景，而《制造伍德斯托克音乐节》中李安牢牢地将叙事高潮抑制在远离爆发的边缘，极其内敛地将一个家庭的破裂与重生以对话形式呈现，破坏了他作为标准的纽约大学电影系学生应该遵守的好莱坞叙事法则，这种满足导演艺术创新（单就李安这样一位导演而言）突破的结果，自然是一种代价。

即使如此，影片依旧能够按照典型的好莱坞叙事手法分割为四部分，其中开端部分是开场直到第23分钟，从23分钟到第61分钟是铺垫，这同时也是最长的一部分，占据了38分钟，再到第94分钟完成了影片的发展阶段，时长33分钟，最后的25分钟是高潮和结局。

开场：“Who’s paying for all that ?”影片以一组固定镜头开场，交代了生活在白湖的艾略特一家经营的旅馆周围的环境，可以看出这里远离尘嚣，树草葱郁，为之后音乐节的赞助商对地点的首肯提供了物质基础。

这组镜头中，第一个出场的重要人物是艾略特的父亲，他正在旅店屋顶上进行着修缮工作，而他的妻子正接待第一个前来住店的旅客，而后便步入房间收看电视。

电视的内容无非是世界各地的战争，交火，骚动和美国的登月行动，这暗示着美国时局和经济萧条。

事实上，整部电影的开场段落的目的是为伍德斯托克音乐节被临时迁至此地制造条件，此外交代男主角一家的家庭状况，这两条线索具有映射性的相辅相成，构成了《制造伍德斯托克音乐节》所有的叙事：李安的野心并不在于将一个历史性事件的始末事无巨细的完整呈现，史诗《色戒》造成的身心俱疲几乎决定了这部作品的轻松基调，李安仅仅是借用了“伍德斯托克”这个具有反战、民主、自由等一系列嬉皮士特点的幌子，讲述了一个家庭的否定之否定的发展历程，最终渴望自由的父子会冲破那个守财奴母亲的束缚，获得心灵上的无拘无束。

那么开场段落的两条主线以这样的方式呈现，相当合情合理。

守财奴母亲对待顾客，银行追贷员，甚至父亲女儿的态度，被戏剧性地刻画为不输葛朗台的吝啬鬼一般，这在一定程度上反映了特殊时期市井小民的心理和生存状态，也是电影终极主题实现的第一道障碍：她既是伍德斯托克音乐节得以举办的具有否决权的人，也是丈夫儿子能在本次事件中获得新生的最大禁锢。

显然，这个人物在抽象层面上的意义要更大于作为叙事元素的设定意义，因为究其根源，艾略特母亲的性格是守旧思想的集中体现，正因为时局纷争，百姓对攒在手中的生活极度不安，对破产的恐惧侵蚀着他们的内心，而此时，才需要伍德斯托克音乐节这样的自由盛宴去解放思想。

为了进一步塑造母亲的形象，李安设定了三个段落，一是反衬，二是例证，三是证词。

艾略特与姐姐的对话是借她之口再次对母亲的吝啬进行嘲弄，而艾略特所承担的商会负责人一职召开的会议，更是将市民们如同母亲一般的嘴脸刻画的淋漓尽致，同时，借居在艾略特家仓库中的先锋戏剧表演团更是那个在母亲这个女王压榨下苟延残喘的群像写照，他们口中寄托着艺术被认可，填补肉体和精神饥荒的渴望。

至此，李安基本完成了对白湖周遭市民们的塑造，也使得这样一个山穷水尽的地界举办无人接手的“烫山芋”——伍德斯托克音乐节成为可能。

作为男主人公的艾略特，一直以来就是一个被所谓的责任束缚，无法天高任鸟飞的形象，对于那些曾经的朋友漂游全国，追寻梦想的事迹，他总是一面渴望保持联系，一面委婉的拒绝他们同行的请求，而且不得不把自己的工资用于母亲的还贷事业，这样一个生命金钱全权由母亲霸占的男孩，李安为他设计的结局，正是将他的本性释放，完成一次从极端走向另一个极端的涅槃行动，而此时伍德斯托克音乐节方才成为契机，被引入整部影片的叙事结构之中。

由此可见，影片名称的题眼在于“Taking”而非“Woodstock”。

在众目睽睽之下，艾略特拨通音乐节负责人的电话的镜头，结束了影片的开场部分，此时，艾略特已经决定用自己的行动开始拯救这个强权的压迫的剥削的地盘。

铺垫：“Looks like we can work with this.”影片的铺垫部分开始于一场直升机的降落——在艾略特母亲经营的汽车旅馆前的空地上，艾略特用母亲最为宝贵的床单铺成十字形，让前来勘探伍德斯托克音乐节场地的迈克一行能够降落，显然这触犯了艾略特母亲的“天规”，而之后那些裸体的先锋剧团演员的出现，更是让那个吝啬鬼崩溃。

这时，自由与封建双方的对峙开始了第一次的抗争，衣不附体的人们对着降临的直升机如同膜拜偶像一样进行着宗教仪式一般的跪拜行动，而从直升机上走下的人们，正是之后即将引发音乐节的中坚力量，艾略特母亲注视下的这个握手，暗示着年轻人即将联手抵制世界的霸权。

新运动的举办必须有经济基础和组织基础，影片的铺垫部分基本上就是围绕着这两方面展开，事实上，整部电影关于自由主题的言说，是在铺垫部分的结尾，也就是全片的中间部分，才由男主角艾略特面对参加新闻发布会的记者们说出。

两方面基础的展开自然也必须围绕关于反传统、反守旧的基调展开，以迈克尔为首的新势力，在艾略特为中轴的调和下，开始对白湖进行着辞旧迎新的大改造，他们输入资金，输出宣传，从各方面包围曾在开端部分被一一交代的白湖市民们，以半骗半哄的方式，促使当地居民从抵触到信任再到欢迎的心理变更——历史惊人相似，这像极了53年至56年我国探索一化三改造活动中的举措。

谈判的最终结果是双赢，李安在设计这些段落的时候，充分利用了影片本身的喜剧基调，以极小的段落组合拼贴，以小见大的完成了真正相关与“制造”的宏观叙述。

在积极讲述第一条叙事线索的同时，李安自然不忘对其进行穿插，交错叙述艾略特一家的历程。

此时，在开始段落永远默默无闻的父亲，已经学会在这场新式民主运动中找到自己的位置并且积极主动的参与其中，在获得存在感的同时也收获了归属感，父子联手反母的行动取得了进展。

然而李安并没有将那个母亲极端脸谱化符号化，父子对待母亲依然具有那种发自内心的关爱和将心比心的照念——在自家房屋被画上纳粹标志的时候，两人商量的是如何不让母亲知道——因为母亲一直拿自己是纳粹屠杀中幸存的犹太人说事。

更为有趣的是，开场一组镜头过后出现的电视机，此时又扮演了双重作用——传递时间概念和隐喻主题元素。

在这场内景夜戏中，父亲母亲在关注着电视中直播的阿姆斯特朗登月的历史时刻，而画外音一直传递着一小步，一小步的话语，显然是为了照应现实中伍德斯托克一点一滴的发展的重大史实，李安是极为擅长利用这类元素进行点拨的导演，就如同法斯宾德在《玛丽莲.布莱恩的婚姻》结尾处播放的世界杯足球赛广播声一样。

铺垫阶段是全片最长的段落，在伍德斯托克音乐节开始之前花如此长的篇幅交代筹备的过程，自然是为了在发展阶段中积聚足够的能量。

影片不断设置一些伏笔使这个巨型音乐会以一种无与伦比的方式向前发展与推进，并进一步构建即将到来的事件。

在这个相当长的段落中，有无数的量变贯穿着母亲那种贪婪与吝啬的发挥，艾略特渐渐无法忍受那种束缚，他的情绪在这种耳濡目染和成为音乐节创始人之一的兴奋中发生着强烈的化学反应，结果必定导致质变。

最终，记者招待会上，艾略特西装笔挺的出现在公众面前，一来这是他们家庭的经济状况得到巨大改善的标志之一，二来，也是昭示着艾略特已经长大成人。

他在会上关于自由的一番演说，是他寄居在母亲独裁淫威之下的一次大爆发，当然，也促成了音乐节规模的无限扩大，他说“Freedom is often considered , to be , just another word for being free”。

发展：“Let’s go swimming!”影片的发展环节是全片最具有梦幻色彩的部分，一方面是因为男主角艾略特真正踏上了寻找自由的朝圣之旅，另一方面是李安试图以梦幻来代替那个无可复制的伍德斯托克音乐节。

在耀眼的烟花渲染下，艾略特泪流满面。

从影片开场，李安就频繁使用一些他在原来电影中从来不曾使用的段落，比如分屏处理同时不同地点的事件，比如利用故意做旧且还原4：3银幕比例的镜头来拍摄某些场景，这种手法是李安追求纪实性的一种尝试——复原那个文艺青年心中圣洁的年代，光靠美术似乎依旧欠缺一些力道，与以往李安电影的摄影风格不同的是，这部影片中李安的镜头并没有那么精准细致，似乎只有不断晃动的手持摄影，然而这些场景仍然能够与表现伍德斯托克音乐节现场绚烂至极的镜头相得益彰，李安把握观众心理节奏的能力可见一斑。

在裸体青年们溪中戏水一场，父亲儿子在这幅如同伊甸园的场景面前，达成了从未有过的一致——这个看似平时极为沉默寡言屈服于母亲淫威的父亲鼓励儿子亲自去参加这场音乐盛会，似乎父亲无法完成的心愿，将交给儿子达成。

这场戏大部分镜头采用了剪影拍摄，突出人物在这一场景当中的宿命感和转折的重要意义。

时至此间，李安才将伍德斯托克音乐节的真容让观众窥得一斑，那些关于反战的口号在一些标语和海报中被特写镜头捕捉，但似乎这根本不是李安所聚焦的方面，故事依旧围绕着男主角在这个一手策划的活动中找到的那份自我而展开。

在其中，世人皆兄弟的理想真正得到了实现，路边结实的男子女子从未互相了解便可以过夜，相拥在帐篷中的小铺盖中扭打成一团做爱，在人山人海的胜景之前泪流满面，这一刻，艾略特真正体会到那种可以被称为乌托邦世界的无拘无束，这份真实来临的那么切肤，使他压抑已久的欲望的到最大程度的宣泄。

李安以母子之间最剧烈的一次冲突结束了发展段落，艾略特终于在享受了片刻自由之后认清了生命和自我，面对母亲的呵斥，他有礼有节的反驳，虽然即使如此影片依然不温不火的前进，但显然，这已经是最大的矛盾激化的前兆了，随着一场大雨的降临，影片在第94分钟的时候被带入高潮阶段。

高潮和结局：“It’s beautiful .”影片的高潮部分依旧是由两部分组成的，首先是交代伍德斯托克音乐节的结局——一场大雨导致现场一片狼藉，但参与者兴奋异常；其次是这个家庭的结局，艾略特在认识到母亲的本质之后终于决定追寻自己的梦想。

于是，这两条线索的对位从一开始便交缠着直到影片的高潮和结局阶段，都未曾脱离关系。

其中关于家庭“重生”的事件是这一部分更为重要的情节，在最后的背叛发生之前，导演设定了一场黑暗前的黎明，一家三口以从未有过的欢愉姿态面对着这场滂沱大雨，母亲以几乎令人不敢相信的动作表情传达着一些信息。

然而这正是最后崩盘的导火索，母亲的醉酒行为导致她揭出了自己的老底——她瞒着父子自己筹措了一大笔美元，九万七千美元。

这个事实让儿子最终下定决心离开母亲——即使父亲能够大度的原谅妻子的一切。

李安从“父亲三部曲”开始就擅长刻画关于家庭的矛盾，但关于吝啬这样丑陋的主题确是第一次——虽然《冰风暴》中的成人游戏也并不多么高尚，这个东方导演总能采取特有的含蓄手段瓦解一切，比如父子的最后一次对话，当艾略特问父亲：你怎么能忍受着母亲一切40多年？

父亲的回答是，我爱她。

这场戏中，曾经有隔阂的父子终究能敞开心扉，吐露胸中汹涌已久的一切，生命的力量煞那间成为他们继续活着的勇气，黑暗的镜头之下，李安总能寻找到那一丝温暖。

最终人们离开了白湖离开了伍德斯托克音乐节，李安没有按照史实描写主办方亏损的200万美元，而是以狼籍的现场做结，即使剧中人对狼籍的定义为“amazing”。

李安这样改编的目的是为了让男主角的自由显得更为彻底，因为没有牵绊的他，已经将所有装进了车中，在伍德斯托克之后，他将一往无前的追求自由。

李安这个超级文艺青年，再一次用胶片证明了他的实力，也再一次用它细腻的影像、独特的视角、全新的阵容给我们带来惊喜。

不知是回归还是突破，自始至终没感觉到这出自于一个中国人的手笔，也许该说这仅仅是一个会说中文的“人”而已。

一个平淡无奇的小镇正在酝酿一场音乐巨变，正是这场巨变让我们看到青春的力量、音乐的力量和对梦想执着的力量。

片尾的温情桥段无非是为影片画上希望的句号，略显艰涩；金刚狼他哥俨然成为美国版的“如花”，十分惊艳，个人认为这位男演员得火；群裸的镜头很具“李氏”风格；除男主以外，其他演员一水的很到位......总之，值得细细品味，特别先恶补一下woodstock的背景。

我不了解音乐节文化，就是简单的当做电影来看。

这也不是影评，更像是观后日记。

如果有一辆小巴，我也会找一个我爱的人去环球旅行。

关掉所有的电子设备，准备好干粮，酒，飞行物，然后就上路。

要去好多有趣的地方，偏远的地方。

遇到气场相合的人，就叫他加入我们，分享我们的食物，分享我们的地盘，分享我们的精神。

最后还可以弄一个二次造访，途中给想念的朋友寄明信片或者写信。

见到保安，要真诚微笑的对他说，PEACE,MAN!所有的人都和平相处，赤裸面对，随时可以拉起陌生人的手，跟着音乐就跳舞。

没有负担，没有烦恼，心中只一片和平和爱。

电影那一段我不禁流泪了，就和影片里的人一样，看着绽放出花朵的舞台，看着人潮涌动成河流，大家都只为了一个目的相聚在一起，这就是大爱啊，这就是自由啊，这就是和平啊。

李安27年电影生涯里的第11个长篇。

在电影院里看李安的制造伍德斯托克，看的是早上十一点十分的早场，整个Gaumont看这个片子的大厅里只有加上我在内的三个人。

买票的时候，看到了和我在一个大厅里的另外两个人，他们是一对情侣，他们在选择看昆丁的无良杂种还是选择看这部电影的时候，他们选择了李安，男的对女的说，看昆丁的片子会不会闷啊？

所以他们和我走进了一个大厅。

1969年那时候的美国是怎样的色彩？

可以看出在这个电影里，李安想说很多的东西，关于家庭，越战，自由，音乐，反叛，年青一代，犹太人，同性恋。。。

也许每一个人参加这个音乐节，都会有每个人不同的印象，每个人会有每个人不同的形容，像瞎子摸象，每个人都只能看到其中的一部分。

佩服李安的勇气和跨越，他可以在东西方任何的题材上面游刃有余的发挥。

这次选择是69年的美国，40年后一位中国导演看1969年的美国，他带给我们的更多是轻松。

电影里给我印象最深的是那些小人物，像海角一样，当然Elliot的扮演者DemetriMartin他也非常有60年代美国人那时的气质，但是那些小人物，特别是Elliot的父母亲给我留下最深的印象。

喜欢Elliot的母亲Sonia Teichberg由Imelda Staunton扮演，她一出场就让我立刻想起Duane Hanson的雕刻，他在1969的超市购物着或者称主妇与购物车的雕像里面，就带给我们69年美国平民主妇的印象，到Elliot的母亲这种印象更加加深了，这个母亲的脾气，性格，可爱，可恨的地方，被塑造的惟妙惟肖。

当然还有同样精彩的Elliot的父亲Jake Teichberg由Henry Goodman扮演。

影片的摄影也是可圈可点，是由法国摄影师Eric Gautier，他之前也是和很多的法国导演合作，Alain Resnais (Les herbes folles 2009, Coeurs, 2006), Arnaud Desplechin (Un conte de Noel, 2008)， Olivier Assayas (L’heure d'été 2008, Paris je t’aime, 2006) 等等，这个影片的色彩是我很喜欢的，不会过于艳丽，不会过于平淡，总之是恰到好处。

还有两个印象深刻的长镜头，所有人去音乐节的路上，和音乐节回来的路上，让我第一时间想起戈达尔的周末。

李安带给我们，他所选择的1969的美国，他的色彩，那么40年后，(想到2009年的张北音乐节)，我们依旧在路上，依旧追求音乐，自由，真实，我们将有怎样的色彩？

十年前，我刚工作，是一个小小的程序员，是个新人，每天大部分时间读成千上万行的代码，Debug，偶尔写点新的代码，老员工小孟有天对我说，别的公司程序员都是在音乐中写代码的，据说程序员开着暖气穿短裤喜欢巨大的音箱播着《SUper Star》写代码。

而我们办公室，大家穿的中规中矩，闷的像台风到来前的阴天。

后来谈起音乐，我说我喜欢摇滚乐，小孟语重心长的说，据说喜欢摇滚乐是不成熟的标志，人越成熟会越喜欢轻音乐。

Light music，blues什么的。

十年过去，不知道我是不是成熟了，我现在仍然爱听摇滚，而在我看来，许巍已经算我听过的最轻的音乐了。

年轻时摇滚乐像一道闪电劈进我的生活，直到现在都没有离开，听见崔健的声音我还是会激动不已，《快让我在雪地里撒点儿野》那漫长的前奏现在还是让我着迷。

所以，2006年，《读库》试刊号上袁越的那篇写伍德斯托克的长文，我几乎是颤抖着读完的，电影《昨天》看得我彻夜难眠。

热爱摇滚乐的人自会明白。

李安每部作品都让人意外，耗时数年拍《色戒》后，李安导演了一部小品式的《Taking Woodstock》。

李安的电影千变万化，唯一不变的是对于压抑和释放压抑感的探索，这大概是他身上最强烈的东方特点了。

和以往我看过的woodstock不同，这部电影从承办人的故事出发，Elliot一家的生活和woodstock音乐节两条线索是平衡的，甚至看完第一感觉，不再是Woodstock多么令人震撼，反而是这一家的亲情与释放压抑的经历更深入人心。

在对伍德斯托克的表达中，家庭伦理第一次压倒摇滚乐和嬉皮士。

Elliot的家庭简直就是个东方家庭（电影中只说是从苏联逃到美国的犹太家庭），儿子规矩孝顺，处处顺从父母，并努力维持家庭的平静，父亲沉默寡言，母亲絮絮叨叨贪婪，爱占小便宜，但对家庭充满爱心。

整个woodstock那漫山遍野的肉体与狂欢，LSD，嬉皮士，要做爱不要作战，对美国，对世界音乐史，都是件大事，而很少会有人像李安这样，将目光投向这个大运动中具体的一家人，一个人（变性人，易装癖退伍军人）。

这部电影缓缓道来，在woodstock音乐节的影响下，Elliot发现了自己，他的父母也经历了一场空前的心灵释放之旅，在这场狂欢中，彼此重新认识了家人。

虽然嘉年华结束后，盛筵散场，大家都回复自己的角色，继续过普通的生活，但这经历足以令他们人生变得更有意义。

最后Elliot父亲静悄悄的离开，转头回答儿子的疑问：你是怎么和母亲（这个脾气暴躁，目光短浅且贪婪无比的家伙）生活了四十年的，他缓缓的转身答道：因为我爱她。

这一幕和《饮食男女》里父亲尝了女儿煮的汤后味觉恢复几乎一模一样，代表着家庭关系中紧绷张力的瓦解，两代人的和解。

令人感动不已。

说起woodstock和嬉皮士，我挺欣赏且羡慕的，那个年代里，他们的事迹，在克林顿乔布斯的传记里都能看到。

在阿甘正传里也能看到。

这批”越名教而任自然“的年轻人，有不少后来穿好衣服，剪去长发和胡须，做了总统，公司CEO，时代的领航人。

这部电影对于嬉皮士的表现也是比较准确的，演员表情的纯真无邪，那种乌托邦式的热情和无所谓看上去像纪录片。

在大家都不穿衣服时，穿衣服的人就成了怪人。

在此情此景下，露体是得体的，一点儿也不觉得肮脏猥琐。

艺术也在LSD的催化下变得虚幻、神秘，这种经历难能可贵。

影片中那漫山遍野的人潮，在high了LSD后仿佛波浪一样起伏涌动，堪称经典。

据我所知，同一时期，一路歌唱一路搭顺风车流浪这事儿在中国也小规模的发生过，结果是被抓进监狱劳改。

张广天即是其中之一。

这批嬉皮士就算最后人模狗样的做了领导，并不代表他们否定自己的青年时代，相反，他们从这些经历中绝对获益良多。

现在人更加需要解放，解放精神和肉体，so，最好天时地利人和，再来一次嬉皮士运动，再来一场woodstock。

“去吧！

看看宇宙的中心是什么样子…….”那是一个生活涣散，精神颠沛，灵魂流离的年代，没有人知道自己的明天在哪里，只有通过聚集，交流，碰撞，才可以看到自己灵魂的核到底在哪里？

看完影片，我很深刻的理解李安为什么要拍它。

当一个千年的牢笼，遇见一个无垠的出口，怎么会不沸腾？

怎么可能不血脉喷张？

故事的最初，Elliot一个艺术爱好者，充满热情，渴望世界的认同，但是他不得不呆在一个叫“白湖”的小镇里，因为这里有他的父母，他父母需要他，家庭小旅馆需要他，他把金钱、力气、生命都投入进这个家庭小旅馆。

尽管被银行追在屁股后面要钱，他仍旧在坚持，一定有解决的办法，作为小镇商会的会长，他提议在小镇举办音乐文化周，一来希望丰富小镇人民的生活，二来，也希望吸引外地游客，让自己家里生意好一点。

Elli抓住了一次机遇，与伍德斯托克公司达成了合作，将举办一季大型的摇滚音乐节，他没有预料到，他发起的这样一次活动，改变了家庭的命运，改变了自己的人生轨迹，甚至是创造了那一代人永生难忘的回忆！

某些时刻，不自觉的，你就已经站在“宇宙的中心”。

伍德斯托克，是整个60年代在寻找认同感的旅程！

这是一个充满矛盾的时代，备受战争、灾难、饥寒的父母辈与叛逆、迷茫、放纵的孩子们之间的矛盾是一切的源头！

已知的磨难与未知的勇气间的搏斗！

为了反对而反对，为了愉悦而愉悦，为了放纵而放纵。

看起来一切都很刻意，但是一切也都很纯粹！

他们的笑容的真的，他们的荒淫是真的，他们对自由的向往是真的，他们对未来的恐惧也是真实得赤裸裸！

我要走出去，anywhere！

——ElliotElliot是向往自由的年轻人，爱艺术，热情，渴望站在世界舞台的中央！

但是，他被牵绊着，被顽固的母亲禁锢在家，呆在安逸的小镇，照料自家的小旅馆，每日操心着如何应对银行的抵押催款，各种焦心与无奈。

但是，他并没有随着生活的重压沉溺到底，而且脑子里每时每刻在运转着如何拯救家庭，如何保证父母的生活。

担任着小镇商会会长的Elli，在小池塘也找到了自己的位置，在片中他仿佛就是代表着迷茫一代人的发展方向，清楚知道自己的作用和理想。

不同于“The Beat Generation”的惯常，Elli是有责任感的年轻人，知道自己对于家庭的责任，同时还肩负着对于社会的责任，他有着一股燃烧自己的渴望。

但是，在责任感的背后，他也藏着一颗叛逆的心，在他对着母亲大喊，我要走出去的时候，他终于表达出自己内心最真切的渴望，在看到了50万人涌向小镇的时候，他知道自己已经按捺不住内心的激情了，他知道自己不是一个人，他心中又充满对远方，对未来的渴望！

没有不竭的欲望，就没有不悔的青春！

想去anywhere ，是青春永恒的呐喊！

我的经历，值得我无止境的向生活索要赔偿！

——Elliot母亲Elliot母亲是俄罗斯移民，躲避了沙皇屠杀的灾难，经历长征般的移民，饱尝饥饿的摧残！

她见识过生活最可怕的摸样！

她无谓！

坚不可摧，被戏称可以抵过一个营的母亲，内心深处隐藏着黑洞般的不安感，这种不安，孝顺的儿子抚慰不了，顺从的丈夫抚慰不了，安全感，只有藏在衣橱里的一叠叠现钞能给！

影片末尾，前一夜，醒悟自己过度禁锢孩子的母亲，第二天清晨，居然躲在衣柜里数钞票数到睡着！

一副很可笑的画面，却带着无尽的酸楚，儿子不敢相信母亲居然瞒着大家私藏了如此大笔钱，在家庭最危难的时刻，也不拿出来，儿子失望，丈夫震惊。

母亲虽然感到羞愧，但也不想解释，默默走开！

母亲这代人的无奈，用道德和理性的尺度已经无法丈量是非。

我顺从，不是因为我怕，只是因为我爱！

——Elliot父亲从头到尾，父亲的发言不多，却有很多镜头特写，不配旁白，只捕捉表情、动作的细枝末节。

有时候男人的情感，只能像看默片一样，静静观看，细细体味其中！

被妻子呼来喝去，他没有反抗，儿子质问，你如何可以忍受她20多年？

他坚定的回答，因为我爱他。

对的，一个男人能为孩子做的最好的事，就是好好爱他的母亲。

但是，在家庭受到外界威胁的时候，用尽全身力气保护家人，这时候小绵羊瞬间幻化成狮子王。

在妻子指挥下，活了40多年的父亲，即使不是傀儡，也多少失去了生活的主动。

但是在大量游客涌入小镇的半夜，父亲可以不眠不休的义务指挥交通，三天三夜不睡招待客人。

他不是没有活力，只是热情沉睡已久。

这场音乐节，让他找回了生活的热情，儿子的积极，让他发现生活的美好！

“Beacause of you I am alive”他的复苏让他明白了儿子的志向是对的，走向远方，在能走的时候，多看看世界，这是多么美好的事情！

顺从是爱，保护是爱，放走也是爱！

我们都在从事同一项事业——自由！

——伍德斯托克的人们迈克尔是伍德斯托克公司接触到小镇的第一个人，他是全片里最自由的代表，没有疑问挂在他脸上，没有担忧写在眉间，自由流淌在血液里人，注定是前行者！

女子说，人们的客观，总是把宇宙隔绝了，把爱也隔绝了！

她从心底里抵制这个世界的过于理性，渴望人们都能遵照自己的心和直觉。

那对站在远处山坡，望向人群的情侣，觉得舞台上的人们，像是蚂蚁在制造雷鸣！

他们不知道演奏的是谁，不认同别人的音乐，却愿意加入这热烈涌动的人群。

他们在潮流中用迷幻药享受自己世界里自由！

他们令Elli感受到了自己作为本地人的自豪，也让他卸下了理性的面纱，用心聆听音乐，直至泪流。

还有那些50万向“宇宙中心”移动的朝圣者，他们带着渴望的双眼，勇往直前的走下去。

他们有环保主义者，有反战者，有动物保护主义者，各类型的人，来到这里，只为了让世界可以看到自己，让世界可以听见自己的发声，不计结果，只想燃尽自己，找到与世界的接口！

为什么看完这部电影，我有这么多感慨？

因为我希望，有一天，中国也有自己的woodstock，可以不喧嚣，可以不浮夸，但是一定要有力量，有改变的力量，有追寻的热情，永不泯灭的希望。

一位北欧的航海家说过这样一句话：“航海是必要的，生命是次要的。

”这句话同样适用于李安的《制造伍德斯托克》。

过程，才是这部电影的主题。

并不是着重描写音乐节上的见闻，所以很多认为这是一部有关那次著名音乐节的电影的人，看完后都非常失落。

影片的评价也因此参差不齐。

而李安正是抓住了举办这次音乐节的人们各种各样的心理，非常细腻地把一个完美的过程展现了出来。

有时候结尾不是那么的重要，而恰恰是过程，才是我们应该认真享受的。

就跟人生一样，最后再怎么样都得一样地死去，回首望去，让自己不后悔，让自己高兴的，都是那些在路上发生的事情，无论是好是坏。

那一代的青年爱自由，向往着美好梦想。

他们反战，他们反权威，他们爱好和平，她们向往爱，她们是女权主义者。

这一切在现在看来是那么的单纯，那么的不可复制，因为思想与青春的结盟是强大的。

他们抛开了一切束缚，来到伍德斯托克，享受爱、自由与音乐。

我们在路上，本身就是种自由。

就像凯鲁亚克那本《在路上》里写的一样，生活不会不断地复制，主人公们永远都在路上，结识新朋友，开着车全国到处跑，没有目的的活着，虽然这些使内容读起来很费劲，但正是这种后现代风格，体现了当时乃至现在很多人崇拜的精神——爱自由，在路上。

李安在电影中想表达的或许就是这种享受过程的思考。

没有通往自由的列车，自由是靠自己争取过来的。

埃利奥特和家人朋友克服种种困难，制造着音乐节，最后如此的成功，难怪影片的最后他站在那里不停地说：“真美，真美。

”难道不应该么？

什么叫人生？

难道只是一个干巴巴的结尾么？

不，不是。

人生是一个过程，从我们出生那天起就已经在路上了。

我们在路上认识各种各样的人，发生千奇百怪的事情。

为什么会回忆，为什么有故事可讲，那是因为大多数人的人生不是被设计好的，我们并没有因为知道前方道路充满荆棘就放弃前进，而是抱着不知道的态度面对它，这才是平凡的人生。

所以说李安的这部作品很像是一部公路片，一部包含了许许多多真正美好事物的公路片。

它反映了上个世纪六十年代人们的生活，其实这才是关键的，人们总强调伍德斯托克音乐节多么多么伟大，但若是没有整个大时代背景，那种特有的生活和思维方式，它的伟大体现不出来。

制造伍德斯托克的过程不光有和平，有音乐，有女权，有反战，最关键的，还有爱。

音乐节结束后的一天早上，埃利奥特和父亲告别，他问父亲：“这么多年你是怎么忍受妈妈的？

”老父亲停顿了一会儿干脆地回答：“我爱她。

”

前些天在凤凰网上看到一个对韩寒的访谈，是一段节选，大意是韩寒认为当下的中国没有青年人这个群体，只有在大学毕业的时候就开始为房子和婚姻寻求稳定生活的准中年人，他们被迫提前进入中年人掌控的社会并像中年人那样纯熟的思考，稳定的生活，他算是比较幸运的青年人，因为进入社会比较早，能在房子和工作之余做一些自己想做的事情，但像他这样的青年人太少了。

好像是为了验证似的，第二天我便下到了李安的新片《制造伍德斯托克音乐节》，醉翁之意不在酒，李安没有拍音乐节，他拍的是青年人，当超过50万的青年人在同一时间为了同一爱好赶赴同一个地方时，群体的魅力便展现了出来。

电影着重讨论了一个问题，是在一个地方安稳隐忍的生活，还是为了理想奔赴他乡，电影为青年人做了选择。

本来感觉这部片子的剧本有一些问题，但出于这个选择，我打了5星。

第三天，在网上碰到一个高中的好友，当时他是乐队的鼓手，高中毕业的时候他为了摇滚乐去了北京，我们当时都很羡慕他。

后来听说他在北京组了新的乐队，为了练鼓双腿肿了几个月，还在网上给我传他们的原创小样。

大概有两年多吧再不曾联系过，因为大家都在毕业。

那天碰到他，他非要视频，他很惊讶，我也很惊讶，因为我们都剪去了长发。

我问他的近况，他说在一家广告公司做业务，不打鼓了，不打了，他说，早就不打了，都什么年纪了，赚钱要紧，聊起以前的事情彼此都有些伤感，他说了声多保重，关了视频。

于是便想到这句话，但是该如何去做，我还不确定，生活的代价如此之大，我们是否还有资本，放弃来之不易的稳定，去经历漂泊。

这真的是一个问题。

文/onestar（http://onestar1967.com/2009/12/takingwoodstock/）原本以为李安导演会还原音乐节宏大的盛况，绚烂的舞台，激情昂扬忘情放纵的乐队表演，以及年轻的人们为音乐而痴迷欢乐，结果，还是猜错了，这本来就是“制造”，而不是“表演”。

电影前半部分为音乐节的举办设好铺垫，有点儿沉闷和冗长。

但是仍然将时代背景和人物关系交代个清清楚楚。

于是，经过万般的曲折，人们迎来了这个在夏日里最为盛大的狂欢的节日。

成千上万的年轻人从美国的四面八方汇聚到这个叫白湖的小镇，这是属于他们自己的有关和平与爱的饕餮盛宴。

关于音乐节音乐，艺术，爱与和平，再加上美国当时的时代背景，被反复强调的词语无疑是“自由/FREE”，无论是精神上的还是肉体上的。

地光表演者剧团在迎来麦克郎的直升飞机时的那段即兴舞蹈，还有他们高呼的“要做爱不要作战”。

嬉皮士们的长头发，长胡须，宽松随意的波西米亚风格的衣服，迷幻药和大麻，所有的束缚都被抛到九霄云外。

甚至随处可见的裸体青年人，低矮的灌木丛是他们纵情的乌托邦。

这里没有歧视和嘲笑，没有战争和压迫。

我想艾略特最后通过那片奇异的药终于到达了自由的巅峰，这段神秘多彩的幻觉绝对是李安在电影中画上的一道绚烂的神来之笔。

车顶层叠流动的斑驳色彩，白湖山坡上如波涛般汹涌波荡的人群，我想，如果是我，也会如此泪流满面。

幻觉终究是幻觉，一道白光劈开黑夜，现实的如同毫不留情的现实。

关于成长不管多么热闹的音乐节终究有曲终人散的时候，而这时电影就又转回到“成长”这个在李安电影中多次出现的主题。

从一开始艾略特和父母的矛盾与争吵，到最后父母的谅解和支持，都贯穿于整个制造伍德斯托克的激情中。

虽然母亲的一些所作所为伤害和欺骗了艾略特，可是她想将儿子留在活一年就少一年的自己身边的想法，无论如何都让我不忍心去责怪这样天真倔强又有些傻呼呼的母亲。

还有最后父亲简单的回答依旧能刺痛你内心最柔软和最容易动情之处。

艾略特必定是属于年轻人的世界，他和好友比利在脏兮兮的泥潭中玩耍的不亦乐乎，一切都是无忧无虑的，比利说他爱这个山丘，其实他更爱这样的放纵和自由。

最后，艾略特选择了离开这个小镇，开始自己的旅途。

关于同性我也来八一八李安的同性情结。

同性这样的主题，在李安的电影中已经不是什么稀罕的的东西，从《喜宴》到《断背山》再到《制造伍德斯托克》，虽然在这部电影中有关艾略特的同性问题只是点到为止，但是那个名叫薇儿玛的毛遂自荐的保安同志可在后面的戏份中穿插不断，甚至我个人认为他还是将艾略特和父母矛盾由大化小由小化了的一个引导性角色，也是父子关系由相互拒绝到相互理解和包容的一条纽带。

估计，也许还是他游说父亲，使他接受了自己儿子是同志的“残酷” 现实。

不然，老爷子只是白湖这个乡下老保守，怎么会在最后心平气和的面对一切呢。

网络上还有人戏说李安一生错过了重要的男人，甚至大呼叫他出柜。

不过，这一切都是喜欢他的影迷的YY而已。

最后还是非常佩服李安导演，他没有将镜头直接对向恢弘的伍德斯托克音乐节的舞台，而是将这样一个美好的幻想留给人们，这个美丽的爱与和平的幻想。

的确是看得意犹未尽。

一直以为woodstock肯定是高潮，可怎么一下子就开始撤退了，好歹从纪录片剪几个镜头吧……难怪这片子评价会两极分化。

69年，人家在搞音乐节，我们在搞文革，不需要迷幻药，却可以更high。

胃口被调起来了，赶紧去找纪录片吧。