云霄之上

1. 如果要用对身体的规训来解释，那么好的，且不论芦苇荡的突进是否用来向不明的对话来完全消解了角色的主体的“在空间内”，这不代表着一种紧迫或者焦急的空间化后的情绪，而是视觉和声音来向捕捉的双重混乱。

当杂乱感与慌张体验通过荧幕应激反应式地直接通感（和神经的影像无关），那么跳戏，可能会是观众的直接反映。

2.那么好的，如果从所谓的氛围影像（气态电影）的推道出去，是溶解人的此在。

创作者似乎也有这么一种意图在里边，通过将人像镶嵌在极为繁杂的布景上，乱石摊、密林中树木的遮挡、破院正房中杂乱的布景，透明程度极低的近距离雾气, 以及并不怎么友善的黑色底色（black undertone），以及一些空间和影像之中建立出“分叉”（周老师原话），从有限度的运动和静态的体验中来切割了人像的被雕刻性（sculpted-ness）,极端地铺陈物象及其变化，又何谈人身体的规训呢？

不要说是氛围内化（internalize）人之中，应该具有最起码的信标物（可以使分配了合理框定施时间的任何一种“物”）——和某处声景变化的提示一样，是变化的开始，是展示主义-运动（exhibitionism-track/zoom）的开始。

3. 如果说山洞中最后是一种意犹未尽的，有泛泛的崇高，一种非真（unreal），黑度是否是最直接的修辞法？

一种隐瞒了所有社会主义凝视的，鉴定面容和必死决心，以及对于某种圣像狂热的，有限度的，容疑的崇高。

那么人像何为？

怎么解释被黑度覆盖的“身体规训”，要回到原色论中去吗？

4. 一点想法。

从片子被制作成天残脚的境况看来，重画面，听觉次之的规则似乎成了“国美”一系和部分“南方新浪潮”的通用规程（这点当然包含我的偏见）。

那么这是否意味“新浪潮中”一种总体风格的“东南轴心”正在形成中？

《云霄之上》是一部特别的有质感的影片。

大量的长镜头手法，惊艳的构图，沉浸的叙事手法，耐人寻味的方言，流动的电影语言，神秘的山林，飘渺的云雾芦苇，极致的配乐音效，克制的情感表达。。。

这是一部你在院线难以看到的电影。

在被商业片包围的今天，你很难想象红军的故事可以这样讲。

光影的表达让这表面平淡的小故事变得深沉，如光影的缓缓流动般，将观影者带入那个属于创作者和观众独有的交流空间。

毫无疑问，这是一部诗意的电影。

导演没有局限于主角的视野，而记录了这个世界应有的一切，摄影师们用镜头去传递流动的大自然。

流水，蝉鸣，留白，观众也仿佛到了云霄之上。

主线是主角团在两天内炸毁白匪弹药库。

一路上，有牺牲，有争执。

在故事的高潮段，一个个突如其来的牺牲展现在观众眼前，最后以主角淋在红色的血雨中结束。

这雨好像就是在陌陌怒斥着一切。。。

ps一个观影不好的体验：灯光暗我不知道主创说了多少次低成本，总之，电影完成得很好！

看完《我是古巴》之后，我一直很期待能看到一部属于中国的革命诗电影，《云霄之上》从放出预告片开始就一直被我赋予这种期待。

但现在从电影院出来，心里对这部电影的观感，却很难直白地说好或者是不好。

观影之前，我心里对这部电影的疑虑主要集中在两点：其一在于电影为了自身独特的视觉效果，采用了全程偏黑白的素色调，我很担心影片各种元素的辨识度。

实际上这一点也不是完全地无稽之谈，电影里我军和敌军的衣服颜色，就比较相近难以分辨。

只是电影有很强的镜头把控能力，可以从另一个方面弥补这点，如我上面提到的这个衣服问题，观众还是可以通过距离镜头的远近比较清晰地分辨敌我。

其二主要是担心学院派文青自嗨。

现在中国不是没有好导演好故事，就是太爱整些过于符号过于形式的内容，就要把观众往看不懂里整。

《云霄之上》不能说没有这种片段，但好在整体的主线明了简单，而且有文字和各种对白提示，基本还是看得明白每个人在干啥的，这点也没什么。

所以到最后，我担心的两点实际上都不算什么问题，真正的问题其实是在别处。

（以下内容涉及剧透）在电影的结尾，主角洪开枪击中了一名敌军士兵，可这一枪并没有让对方毙命，对方一边挣扎一边哀求「不要杀我我是自己人」，他举起枪瞄准对方，却迟迟开不了枪。

这时，一声巨大的爆炸响声，是带着炸药包去炸弹药库的同伴，随着这声巨响，天空下起了红色的大雨，洪抬起头，直到像鲜血一样的雨把自己完全染成红色。

啪，出现云霄之上四个大字，影片结束。

单看这段红色大雨可能没有什么，无非觉得是一种艺术化的处理。

不过结合前面这段与敌军对峙的情节，影片的立意就值得重新思量仔细推敲。

电影剧情里一个很重要的矛盾，就是队伍里一直在争论的，究竟是要「冒险执行军令」还是「保护小队队友的生命」。

先不谈这样的对立是否完全二元，至少这样的争辩对于人物来说可以说是有趣的，人物的转变也一向是电影的一大看点。

但当它同时伴随着队友的牺牲、与敌军的对峙时，它就不止想说「这是一场残酷战争」，还把「这一切难道是必要的吗」的厌战心态抛给了观众。

显然，《云霄之上》不是一部《我是古巴》似的革命电影，相反，它其实是一部《盲刺客》式「战争的双方都感到输了」的反战电影。

可这部电影的背景明明设置在 1935 年，那个不得不革命的 1935 年，不是为了瓜分利益而是伟大理想的 1935 年。

这场战争非常残酷，流了无数烈士的鲜血，正因为此，它才是那场「残酷却不得不经历，还必须要获胜的战争」。

认识到这点再来看结尾这场红色大雨，难道不会给人一种革命军是「踩着无辜人鲜血前进」的别扭感？

否则何必要让革命军把枪对准喊着「我是自己人」的敌人，再让革命军淋满鲜血？

或许是我个人对立意的期望与电影出现了偏差，或者是我的理解错误，导致结尾出来后我对电影的观感骤降。

但我可以十分肯定的一点是，《云霄之上》至少不会是一部革命电影，更不会是革命诗电影。

请千万不要抱着和我一样的期待去看，你不会看到你想要的。

真服了，什么电影这么大官威啊。

全员都去看，还是在休息时间，晚上六点多，白天上一天班，下班还得去看你这🐶电影？

费用自理出？

还是指定影院。

真的厉害厉害。

花着自己的时间，自己的钱，还美其名曰陶冶情操？

洗涤心灵？

你这电影洗涤啥了？

我是要好好领略一下这电影到底多优秀。

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主编温静导读：正在全国艺联专线热映的以弘扬浙西南革命精神的战争题材电影《云霄之上》引发观众广泛热议。

这部体现人性以及人与战争关系的诗性电影在大片云集的银幕可谓是“特立独行”的存在，全片浙江方言、水墨淡彩的影像、山水画的视觉质感带来浓郁的代入感、沉浸感、回味感深深触动着我们的内心深处。

来源：CMNC—主编温静文/朝明“原来战争片，也可以拍出文艺片的惊艳” “‘反套路’的主旋律电影” “这一次，没有炮火轰鸣、没有血流成河，却依然真切地触碰到了我”“听觉视觉的双重新鲜感，很不一样的一部战争片”......念念不忘，必有回响。

正在全国艺联专线热映的以弘扬浙西南革命精神的战争题材电影《云霄之上》引发观众广泛热议。

这部体现人性以及人与战争关系的诗性电影在大片云集的银幕可谓是“特立独行”的存在，全片浙江方言、水墨淡彩的影像、山水画的视觉质感带来浓郁的代入感、沉浸感、回味感深深触动着我们的内心深处。

浙西南是较早由党领导武装起义的地区之一，历经23年持续不断的革命斗争，在中国革命史上有着重要的地位，特别是浙西南人民用鲜血和生命铸就出的“忠诚使命、求是挺进、植根人民”的伟大浙西南革命精神，不仅诠释着党的初心使命，也是留给我们的宝贵精神财富。

由浙江影视集团、中国美术学院共同出品，中共丽水市委宣传部联合摄制，刘智海执导的《云霄之上》以1935年浙西南挺进师战略转移的真实历史事件为蓝本，以真实、细腻的笔触让镜头聚焦战场上的“无名之辈”，以“守正出奇”的叙事风格、诗意表达、美学呈现让伟大的浙西南革命精神传承于当下。

这部影片在第十一届北京国际电影节一举斩获“天坛奖”最佳影片、最佳男主角、最佳摄影三项重量级大奖，并入围上海国际电影节、加拿大多伦多国际电影节、日本京都国际电影节、丝绸之路国际电影节、长春电影节、澳大利亚金考拉国际华语电影节、日本冲绳国际电影节等国内外知名电影节展。

不同于其他同类作品，《云霄之上》将目光锁定在浙西南游击战中，在这个少有影视作品涉猎的领域，导演和演员们用很巧妙的方式将冲击力放大到了最大化。

这部影片也被专家学者誉为“国产诗性战争电影的初声，将赞颂孤勇和信念的故事，投置到浙南湿气缭绕的密林、高山、溪涧里，用水墨淡彩的影像去发酵，就使它凭生了多义性，是一部中国影坛没有出现过的战争片。

”

当前，新主流影视创作步入又一高峰期。

怎样表现重大历史事件，如何写好波澜壮阔的中国革命史，如何更真实地展现革命英雄主义，赢得广大观众特别是青年观众对革命历史题材作品的喜爱，的确是时代赋予中国电影人的使命。

带着对“无名英雄”的敬畏与情怀，《云霄之上》进行了勇敢且突破性的探索。

小战役不小 “真实还原”生动展现伟大的“浙西南革命精神”中国近代浴血奋战的革命历程是文艺创作的源头活水，史诗般的革命，呼唤史诗般的作品。

而对历史史实的真实把握直接决定了作品的完成度。

云霄之上，绽放光芒。

在璀璨的革命版图中，浙西南作出了独特而重要的贡献，因为革命者的顽强坚持，浙西南红旗始终不倒，并在极艰苦的条件下，浙西南游击队不负使命，不负嘱托，为策应中央红军长征作出了重大贡献。

守好红色根脉，赓续信仰之光，讲好浙西南革命精神的党的故事，《云霄之上》 主创团队通过深入挖掘考究浙江独具代表性的发生在浙江大地的重大革命事件为依托，取材自浙西南革命历史史实，通过一支被打散挺进师小分队在群众帮助下完成任务为大部队争取时间的故事，诠释着挺进师战士涌现的“忠诚使命、求是挺进、植根人民” 的“浙西南革命精神”。

影片中，我们看到，面对恶劣的自然环境和政治环境，肩负使命的挺进师战士们没有半点气馁，始终保持昂扬向上的精神状态，始终秉持勇猛前进的挺进姿态，顽强战斗在崇山峻岭之间，他们失去外部联系依旧独立斗争，硬是在敌人眼皮底下，打出一片属于自己的天地。

在笔者看来，《云霄之上》不是扁平的历史叙事，而是用一个个生动鲜活的人物支撑起的叙事，润物无声之中饱含铿锵之力，没有炸场特效、没有战争大场面镜头、没有剧烈的冲突，我们看到了山水间的涌动，几位青壮汉子，在孤悬一线的状态下，以小博大坚守阵地、坚持初心，以平凡的举动抒写信仰的力量，我们也感知到了真实所带来的震撼。

正如浙江影视集团制片人张凡凡在采访时所言：“那群在赴死还是求生中抉择的战士，平均年龄几乎不超过20岁，20岁做出不凡的人生选择，按照现代人的一些想法是不可思议的，所以影片所呈现的并不是说教，也没有刻意拔高，而是基于真实的历史人物做到的真实还原，因为真实的力量是非常大的。

”正视历史、坚持真实，既细心地重构往事，又做出了生动而富有史诗意味的创作实践。

值得一提的是，《云霄之上》对于历史的还原度较高，浙江故事在发生地取景，全篇南方方言，这种真实感带来的艺术张力让影片更具感染力。

在张凡凡看来，使用方言还是基于历史还原的考虑：“从主创到演员，从拍摄地再到故事发生地，再到语言，可以尽情地体现地地道道的独一无二的浙江特色。

”

平凡人不凡 以小见大，微观视角诠释信仰之路，彰显人文关怀革命历史题材影视剧首先是文艺作品，艺术价值和审美追求是题中应有之义。

一部《云霄之上》，48小时殊死对决，让人屏住呼吸，热血沸腾。

《云霄之上》遵循一般历史正剧创作的“大事不虚、小事不拘”原则，以现实主义精神与浪漫主义手法，既尊重革命历史、再现革命历史，也提升着艺术水准，将革命精神的精髓进行艺术转化，把生动鲜活的形象、感人至深的故事展现在公众视野。

张凡凡表示，《云霄之上》在希望和平的大主题之下，以普通战士的真性情为小切口，以微观的视角展现信念之路。

于是，我们在影片中看到，年轻的红军战士洪启辰接到军令，必须在48小时内炸毁敌人的弹药库。

这是一条赴死的军令，他开始在危机四伏的群山里集结战友，带领伤残的同泽和敌人殊死搏斗。

同时洪启辰还经历着战友们对于为何赴死的拷问和大家相继死去的困境。

一分一秒过去的时间里，有人因为信仰而选择坚持，也有人忠于使命而毅然牺牲。

精神内涵与精神向度的把握决定着创作的立意，而成熟的叙事艺术特别是叙事结构、戏剧冲突、人物关系、细节悬念等的精心把握则是实现立意的基础。

《云霄之上》在叙事艺术经验上颇见匠心。

不同于宏大的历史叙事，《云霄之上》从个体角度出发呈现历史，它所要讲述的事件极为简单——炸毁敌军武器库，在完成这一任务的过程中却发生了诸多波折，从而牵动不同人物的命运。

而48小时炸毁敌方弹药库的命令，不仅考验着战士们的作战能力，更考验着他们的人性抉择。

生与死的矛盾心理，信仰转变到铸成全过程，影片在战争之外给人带来深沉的思考。

此外，该片通过寻找、集结、闯关、完成使命等建构，细腻刻画人物的情感，体现挺进师内在的精神力量，显示出较高的思想旨趣，较好地把握了英雄的平凡与崇高、个人情感与革命情怀的相互关系。

“残酷的战争年代，信仰是一个军人内心的终极关怀，自我意志则是他们抵达信仰的路径。

”《云霄之上》导演刘智海表示，全片在诗意画境中筑就人性的生与死、残酷与坚忍，反思战争对于个体的影响以及对群体的意义。

可以说，以洪启辰为代表的挺进师战士，他们对国家前途、民族命运的忠贞选择，他们志存高远、胸怀天下，他们用青年人独有的方式探寻新希望，他们更是中国共产党苦难辉煌的群像写照。

《云霄之上》让我们既感受到强烈的思想震撼，也获得了雄浑悲壮的审美体验。

此外，该片更加注重细腻、委婉、深情、动人的情感渲染、人性剖析和对人物独特性格的揭示。

剧中那些随处可见的生动的细节捕捉，不但让观众能见史见人，更让人物有情有性，让历史叙事有厚度又有温度。

诗意性为质感 以文献式老胶片的视听营造开创新流派《云霄之上》的一大特色是，让故事情节与电影场景形成细腻的互动，创造出影片主题内涵在山水景致中的诗意表达。

特别是全片以文献式老胶片的视觉营造年代质感，突出山、水、人的诗性质感，全片在诗意画境中筑就人性的生与死、残酷与坚忍。

基于《云霄之上》塑造了在异常困难情况下保持信念完成任务的红军战士群像的故事情节，在电影制作方面，主创团队以低纯度色彩、自然光及现实主义的电影摄影方式，探索战争题材影片的长镜头运用以及镜头焦点介入影像叙事的视觉语言，而摄影机运动与演员表演的互动、明暗影调的控制，以及各种调度等，都让电影尽量接近真实的环境、真实的人物。

再比如拍摄时使用过度曝光山洞外景设定，来创造光明的氛围。

山洞的内景使用低照度，用明暗大反差形成并强化那种压抑的环境。

这些镜头将山洞里战士们的这种红色精神的忠诚使命感展现得非常到位，为演员逐步展现角色心灵深处的内容建立了强烈气氛。

《云霄之上》运用吴语方言的设计，使地域色彩强烈，塑造人物形象鲜明。

故事主人公的视点，从客观到主观，声音设计也随着剧情虚与实的交织，编织出新的声音色彩。

本片中用氛围音效音乐来代替传统配乐，在情感连接上用同一个旋律为主基调和变奏，用小号来演奏，渲染出悲壮的情绪，升华着故事的主题。

与此同时，全片的台词和特殊音效都很少，更多的是来自山林间的真实声音，虫鸣鸟叫、湍急水流、风吹叶响，各种真实自然的背景音适时响起，静谧而紧张，把影片整体的复杂情绪感传达得淋漓尽致。

当下，新主流电影怎样更好地适应观众的高标准要求，无论是视听观感，还是光影建构都是一个非常现实的考验。

《云霄之上》不仅开创了艺术电影新流派，战争影片新风格，更让我们通过浙西南挺进师的革命故事，触摸历史记忆，赓续红色基因，汲取奋进力量。

而对新主流文艺作品的创新诠释与表达，正是浙江影视集团近年来不断探索和实践的方向。

云霄之上，是什么？

是生死抉择、是信仰力量、更是当下的美好生活。

承载着这样重大而深刻的主题，《云霄之上》却做到了大视野与小落点兼顾，大格局与小片段兼容，通过朴实而细腻的群像勾勒，绘就了浙西南挺进师和那个时代的革命英雄用生命书写的绝美华章。

而洪启辰为代表的年轻战士在当时正处在二十岁风华正茂的年纪，他们感人至深的英雄事迹，动人心魄的信仰颂歌，本身就是对当下青年人感受信仰伟力的最好课本。

影片现在正在全国艺联专线上映，走进影院一起感受信仰的力量吧！

作为毕业一年的本院学生，还是想吐槽一下《云霄之上》。

首先，主创老师们都很真诚，疫情原因不得不只能观看线上QA和座谈会，从导演到编剧无不怀着一颗真诚之心来分享，四天的线上QA分享不亚于上了四堂美院公开课，干货满满，但是讲的好是一回事，结果好又是一回事。

就其目的来看，又想要是命题作文，又想要是教学案例，又想要是诗性电影；成片支撑不起老师们庞大的胃口，观众也不见得买账，甚至嘲弄美院的关门自嗨行径。

先谈云霄优点 作为学生来讲，看到本院出了一部活生生的教学案例，无疑是十分激动的。

印象里上了三年课也只有一位老师给我们放过自己的短片案例，我至今还记得老师不好意思的神态，好像是说即使不好你们也别笑我。

学生当然会有自己的见解与思考，但有什么能比活生生摆在自己面前的案例更能我们开导这群眼高手低的美院学生呢？

没有了吧。

导演编剧美术后期视效，各位老师们终于在各自擅长的岗位给学生们打开了一盏教学的明灯，指向所谓的“诗性电影”方向，结合学校今年改革新分了电影学院与动画学院，《云霄》无疑是一个很好的课堂案例，我觉得这才能从各类院校的影视教学中脱颖而出，形成独特的教育方针。

但是仅凭《云霄》这种命题作文是远远不够的，美院还需要往更多的方向去探索，给予有想法有能力的学生更多的支持，以毕业联合或者帮助学生与校外资源合作，结合师资的教学与帮助，去完成更多的更高完整度的作品，用这些独特版权的作品去与学生教学相长。

或许这是我对美院的小期待。

就其成片来说，主要的缺点我觉得也是老师们拍起电影来不够成熟的地方：小资本制片的同时以及主要人员几乎是美院学生! 摄影上斯坦尼康用也用不好、好几次都有焦点上的问题，DP居然是给我上过课的研究生学长，讲起课来深入浅出，拍起片来我只能说差点意思……；调色上不能适应大部分的放映情况的同时也让演员的表演全部“失真”，成为了宽银幕上能动的一团符号，你在人脸都看不清的情况下自然也不会记得谁是谁，哪来的情感累积，同时过重的影调也出现了很多后期的技术问题；编剧上想要的太多，大战前的洞穴报名字简直是最大的败笔；分镜上最后一场战斗的空间处理配合前面没到位的情感累积，比起片中死人的干脆来说简直是一片混乱；更糟糕的是后期配的声音和氛围音乐出现消失的时机，全然暴露了后期制作上的不成熟以及导演调教的不到位。

命题的性质以及美院初探电影市场怀着那股兴奋劲大力的宣发让一些观众注意到并且开始秉持怀疑的态度去尝试这一口不好咽下去的饭，《云霄》最后也不得不面对市场的检验，结果并不是很理想。

而主创老师们怀着那股“我们不一样我们是做教育我们是一次尝试”的心态去面对多样化的观众，更是令《云霄》遭到了很多影视爱好者泼来的冷水，豆瓣影评里可见一斑。

或许，关起门来做教学会更好，要不出风头就交给老师们培养出来的学生吧。

（PS：以上仅个人观感 不代表其他人）

本文写于浙传超前点映之后，2022年6月2日。

【防杠声明】：本人是非常感谢各位老师拨冗前来交流的，看得出来他们是真诚的，本文也不涉及人身攻击，也没有利益相关，均为个人观点其实去年就有关注过这部片子，看见“浙产电影”在北影节大放异彩，勇夺表演、摄影大奖时，内心多少还是有些激动的，心里想着隔壁学校还挺厉害；此份心情在今天下午到达了高潮，《云霄之上》要来我校这穷乡僻壤的地方做学术交流，且能来的主创都众神归位。

有一说一，为了能够提前到坐个好位置，我甚至在食堂吃了巨难吃的馄饨，还是大碗的（主要是他家做的比较快，没啥人排队）。

电影开始了，开场首先是一个巨暗无比的俯拍镜头，为全片的影像风格定下了基调，当然，也为今晚的放映和交流活动定下了基调。

抱着不剧透的职业精神，和确实没太看懂讲了什么的真实体验，本人对故事情节一并掠过；（要是你实在想知道的话，就去看词条里对该片的故事简介吧，就我个人体验，和花一个半小时看片子所get到的东西是一模一样的）整个片子的视听可以说是不太及格，首先来聊聊画面，用一个“黑”字来形容再好不过，黑到什么地步呢，黑到看不清人脸，看不清环境细节，更看不清tmd这是个什么故事。

有多暗，拿黑白片对标，最终画面的明度比《伊万的童年》要暗一倍，和《影》相比，会暗更多展映完毕，大家才知道——哦，原来您是想拍出水墨画的感觉呀！

声音尽管做了7.1，但是论水平也不比我校毕设高到哪去，环境的烘托不够，离谱的是，个别对白居然被混出了电音。

调度更是惨绝人寰，反古典那是肯定的，尽管个别片段我还是挺喜欢，但是各位主创一直强调的诗意，估计是处在云霄之上，我们这些在地上看电影的同学可是见都见不着。

以至于qa时，有同学问：请问导演是想在调度上创造出舞台感，还是无心之举？

放映完毕，出字幕，主创上场，监制、摄影、编剧、男主演、导演，全部都来了，属于这个夜晚和这部片子的戏剧节开始了。

刚开始同学基本上是质疑。

主要是老师和主创都非常坦诚，毕竟他们表示：都能骂，都能说。

事实上，也的确如此。

1.画面那么黑，看不清人脸了！

2.前半部分太无聊！

3.前期部门和后期调色是怎么协作的？

4.300万的片子，有哪些地方不是设计而是遗憾？

5.人物转变太突兀，设定很怪！

面对此情此景，主创们开始了回应。

1.导演说：咱们影院的灯泡太暗，唉，观影效果不好。

要看，就要在顶尖影院看（这一点我是同意的，但是这片子暗成这样，你拿太阳作灯泡也没细节啊）；然后，开始逐一解释人物心态变化。

2.监制说：我们不一样，我们要向内探索诗意电影，这意味着我们的叙事呀，不能以古典电影的标准来衡量。

3.编剧：谈德勒兹，佐证监制的观点监制定下“我们这个片子不一样”的调之后，一切都变了，因为“你们不一样”，所以学生当然也没啥可问。

你谈人物转变太突兀，他告诉你，我们的叙事不一样，你要带入那个环境，要用“中国人的心态”去考虑。

你谈调度很无趣，他告诉你，我们美院啊，追求的那叫诗意，我们不追求空间的构建。

说完我们不一样之后，我校的一些同学，开始以提问之名，行跪舔之实了。

它们都有一个大特点，那就是会大谈个人感受，多半是在夸；紧接着顺便问一个无关紧要的问题，各位嘉宾啊，那当然是笑逐颜开。

你一定会问，大家不都是在喷么，怎么又舔了起来？

因为，这些“提问者”，大部分是想考美院，然后套近乎，有的甚至“不远万里”，从另一个校区坐两小时车过来，尽管那边之后也会放。

于是，气氛变得其乐融融了，你被恶心到，关我屁事，我可是要考美院的人，浪费你们时间，卖个屁股，不寒颤。

一场传媒和美院的自嗨，宣告开始，并至少持续了一个小时。

“你们真的很伟大，你们做到了底层人物的叙事！

”“你们的画面好好看”（这位应该是猫或者鹰，自带夜视功能）“你们的片子有老塔、伯格曼的味道，我真的，哭死！

”。。。。

幸运的是，面对吹伯格曼的那位同学，主创也没有承认，而是机智地避掉，这么看，还是自知的。

一些人嗨了，主创们也嗨了，大家轮流用话筒回答问题（印象深刻的是那位编剧，你真的很能吹，向你学习！

）一个同学舔完，主创们轮流针对这个问题，再去享受20分钟。

因此时间飞逝，大家在10:00依依不舍地告别了银幕。

我此时早已饥肠辘辘，后悔今天晚上只吃了巨难吃的馄炖，再强调一下，是大碗的冷静下来好好反思，本片当然有可取之处，探讨人性、诗意美学的尝试，在今天这个语境，和“主旋律”基调下，当然是很难得。

但我寻思着，三百万能拍出什么心里没点数么？

三百万、而且都是户外，对于任何一个部门都是挑战，摄影没法用大灯【影响造型】、机械组难以工作【影响调度】、美术组难以置景大胆猜想，与其讲“导演如何构思”；还不如讲，三百万只能做出哪些东西来。

没钱还他妈装逼，那英看了都生气。

所以我不能理解它们那“我们不一样”的自信，那“对观众有要求”的自大，和“拍出中国诗意”的无比自豪拿简陋当诗意、拿诗意作主义、拿主义去逃避我感觉他们在逃避，逃避观众（这还是一批谈起艺术电影津津乐道的观众）；这意味着他们在自娱自乐，毕竟拍没拍出诗意，评级体系可在我手里，你还不够格。

老师拿经费拍片子，然后拿奖，顺便写论文、发个影评，专业术语能用多少用多少，管你三七二十一，在戏剧与影视学这个圈子里给我狠狠吹，毕竟都是自己人嘛，此为自嗨同学们不大喜欢，选择沉默；卖屁股的学生则纷纷举手，表示我好喜欢！

主创听了也开心，那叫一个体面，此为自嗨。

主创有鸿鹄之志，自知片子对观众有要求，又是艺术电影，于是直接放飞梦想，撒币三百万，情节人物不在乎；水墨画，好！

诗意，妙！

喜提大奖，此为终极自嗨。

为学术自嗨、为学业自嗨、为“影视艺术”自嗨，从此传媒美院“是一家”因为你们都在tmd自嗨。

最后馄炖店也嗨了：有个傻子为了更好地看别人自嗨，在我这急急忙忙点了份馄炖，还是大碗的。

一在观影前，我曾以为这部影片或许会类似《这里的黎明静悄悄》、《土地与自由》一类影片。

但是事实上完全不是。

影片在文本上的呈现更类型一些，更像是中国版的《1917》。

主创也叙述道，“影片本身就一个主旋律任务”。

或许正源于此，我感受到在剧作上，编剧或许在有意无意地减轻一些革命叙事的成分。

这是一部不同于以往革命战争题材的影片。

（也许应该去除掉革命二字称之为战争片更恰当）抛开当下许多令人不适的、符号化革命、呈现假大空叙事的所谓革命题材影片而言，以往的革命影片几乎都呈现出一个主题就是为何革命。

不过云霄之上几乎避开了这一点。

这是一个后革命时代思维下会呈现出的作品。

影片没有呈现出主角为何革命。

他没有展现类似于被压迫抑或是被剥夺了生存生活的权力这样的原因。

相反影片模糊了原因，影片的展开就不是关于压迫反抗的。

我不愿称其为革命题材作品，我更愿意称之为战争题材作品。

影片的展开是源于一场战争任务。

主角并不是因为遭受到压迫而必须去进行反抗，而是因为战争的不可避免，必须完成这次任务。

这其实使得人物的动机上少了一层可以拔高的高光点，也就是革命本身被模糊化了。

因为以往的革命题材几乎都伴随着“必须反抗”。

这“必须反抗”背后的内在逻辑就是关于基本生存和生活权力的。

影片无疑在有意或无意中消磨了这一点。

所以说，影片的主题不在革命，而在探寻生与死的意义。

也许这会是一个好方法，在当下体制内的一种新的创作方式。

它不同于上世纪苏联人对革命题材的表达。

他们在探寻革命最本真的动机和革命最崇高的理想。

不过这背后的文化逻辑或许就是，在当下一个世界范围内革命极速退去的时代下，我们很多人自己已经看轻了“革命”二字，并恐惧符号化了的“革命”二字所带来的力量。

二云霄之上不断提及的诗意在影片中确实一直在反复呈现。

可以看到主创在非常尽力地呈现这一点。

或许是由于北京国际电影评委会评语的误导，原本我认为这部电影会是一部充分运用东方美学的影片。

但实际上看完全片，就我个人认为这部影片的美学风格更加西化。

提起东方化的诗意影片就不得不提及侯孝贤。

《海上花》《悲情城市》《刺客聂隐娘》等影片在不断地呈现一种东方式的美学。

我们在观看这些作品的时候不难体会到这种美学表达不仅仅体现于外在的影像风格。

《悲情城市》和《海上花》两部影片，其在文本上就呈现出一种东方化的诗化倾向。

其文本结构与中国的诗歌形式暗合，整个影片的叙事节奏、剪辑节奏、影像运动都在仿照中国古典诗词的韵律节奏和抒情化表达。

并且在《刺客聂隐娘》和台湾更早的武侠片大师胡金铨的《侠女》、《山中传奇》中，电影的影像在一定程度上反叛了自电影诞生以来西方绘画、摄影对电影影像和美学的影响。

胡金铨在探索如何从中国传统绘画中汲取营养。

最后他确实做到了，胡金铨解构了中国古典绘画的观看方式、呈现方式、空间建构、叙事建构。

并将这些东西借用到了电影中。

胡金铨在《山中传奇》中的许多运镜和调度几乎和中国古典绘画的特征相吻合。

它并非只是流于表面用宽幅摄影和水墨质感的画面以及优美的风景去拙劣地模仿中国绘画。

胡金铨真正地从中国绘画（包括传统戏剧，在此未提及）汲取到了营养，因而他内心有一套自己的影像理论。

而《云霄之上》的美学和诗意在我看来更贴近于《1917》《细细的红线》一类欧美战争影片。

或许这与文本本身有分不开的关系。

我并不知道导演是如何理解文本的。

但这部影片的文本本身就比较稳重，偏向于传统式的叙事模式。

也因为如此，影片呈现出一种形式本身和叙事的不合。

在主创叙述中我能够感受到一些他们的美学追求。

他们没有提及具体的美学风格，但我能感受到其中有关于意大利新现实主义和法国电影新浪潮的美学倾向。

譬如追求演员的真实化表演、抹除他们的表演痕迹，并依据环境决定影像。

但意大利新现实主义风格在呈现这样一个偏类型化叙事的时候就呈现出了一个弊端。

新现实主义影片往往会消解人物的动作，因此人物的目的有时显得并不明确。

所以观众会看到新现实主义往往呈现出一种人物的不确定性，即人物常常在空间中看似无目的闲逛或周游。

然而本片的文本本身叙事张力极强，一个“最后一分钟营救”的故事往往意味着强叙事。

尤其本片还面临着一个重要的叙事目的要达成——人物的心理转变。

因为人物心理是如何转变的，影片的主题最终就会如何落脚。

尤其是前文提及了，影片本身磨去了许多有关革命理想的东西，革命目的不明确，那么故事最后主角的思考和转变就尤为重要。

但是新现实主义化的表达使得主角许多时候的目的和想法呈现在影像上并不具体。

影片中他们一直是在被动地逃离，被动地做出动作。

这直接导致了观众无法深入地去理解故事的主角和主题，人物的转变也显得不明确。

这是影片的风格形式和叙事方式不合的一个体现。

或许干脆将影片中那些意象的和意识的成分放大，使之成为一个《伊万的童年》式的影片会更好。

不过不论如何言说，《云霄之上》本身为电影创作者带来了一种新视野。

既然无法像前苏联一样满含热情去把革命落到小人物上来叙事，那么就另辟蹊径，在主旋律叙事的困室中去追求艺术之美，摸索独有的美学风格。

同时饱含人道主义眼光去凝视革命这种大时代的不可抗力之下的小人物，这本身对于中国当代战争片就是一次突破。

革命并非天生要革谁的命，毕竟双方的战士在战士身份之下都是一个活生生的人。

如果抛开革命但就战争片来说，这种人道主义式的呈现是很可贵的，中国的战争片需要一些人道主义视野。

因此不论褒贬，本片提供了一种新的创作思路，这是值得赞扬的。

不过更有趣的也许是本片的存在本身就已经体现了当下中国创作者在不可抗的大时代下一些不便言说的态度。

《云霄之上》真的是一部值得支持和称赞的电影。

这部用300万的成本所呈现出的诗歌般的视听效果，比某些好似大喇叭喊叫一样的电影要更真切更触动人心。

能感觉到主创们真的有心去触摸这些战士们的内心。

看过很多讲述孤军奋战的电影，这些电影大多都是慷慨激昂的悲歌，让人热泪盈眶，情绪喷薄而出。

但《云霄之上》的表达则十分克制，那些热血也好，恐惧也罢，所有的这些情绪都透过粘稠的浓雾和阴冷的河水一点点浸入到观众的毛孔里，直到我们成为这孤军的一部分。

黑白的影像在片尾被瓢泼的血雨打破，汇聚成我们熟悉的那抹红色。

这些血滴中不仅有崇高的理想，还有活生生的人，他们中有的想要找到父亲，找到妻儿，有的只是想活下去。

一群群这样的人，一团团星火，才使那抹红色有了不一样的意义。

真的希望有更多的电影去了解他们的过往，不仅仅是他们的信仰和坚守，还有他们的脆弱、恐惧、迷茫与痛苦。

自从2020年疫情以来，实体电影院经营困难，院线电影面临着拍摄数量大幅减少、档期屡屡调整、票房缩水等实际问题，不少从业人员都在呼吁救市的重要性。

然而，也有不少人有着不同的看法。

近年来受短视频的冲击，观众已经越来越没有耐性集中1-2个小时的注意力去观赏一部电影，他们更喜欢那种精彩镜头的剪辑，或者几分钟看完一部电影的短视频。

于是，《指环王》在多年后的重映居然收获了一大波年轻人的差评，理由是“三个小时居然还没有讲完一个故事”、“铺垫太多，不够精彩刺激，反转太少”，要是短视频里的短剧，五分钟的时间里就已经放入了不下两个反转了，且全程都是强刺激的镜头和台词。

所以，不少人在唱衰影视行业，认为在这个全民皆可博主的时代，只要一部手机，每个人都能拍摄出精彩的故事，完全不逊于专业人士。

但我在看完《云霄之上》之后，再一次坚定了一个观点：电影的存在是无可取代的，《云霄之上》完全体现出了电影这种顶级视听语言的魅力，是追求短、平、快的短视频，永远也无法企及的。

获得2021年北京国际电影节“天坛奖”最佳影片、最佳男主角（集体）、最佳摄影三项大奖的《云霄之上》，是我看过的气质最为独特的战争片。

这部影片有一个重要的价值，就是展示了电影的主题性与艺术性是不矛盾的。

故事取材于红军“挺进师”的真实历史，讲述了1935年，年轻的红军战士洪启辰从死人堆里爬出来之后接到军令，必须在48小时内炸毁敌人的弹药库，以挽救300多名战友的生命。

这是一条赴死的军令，他开始在危机四伏的群山里集结战友，带领伤残的同泽和敌人进行着艰苦的游击战争。

同时洪启辰还经历着战友们对于为何赴死的拷问，和大家相继死去的困境。

时间一分一秒过去，任务似乎越来越不可能完成。

有人因为信仰而选择坚持，有人忠于使命而毅然牺牲。

故事并不复杂，近年来也不乏战争题材的电影同样不再聚焦于大的战役或是出名的英雄事迹，而是将视角对准战争中的普通士兵，体现人性在战争中是如何被摧残和锤炼的，《云霄之上》的特别之处在于，它跳出了以往主旋律战争片的叙事方式和视听语言，做出了崭新的尝试，成就了一部令人耳目一新的作品。

从叙事方式来说，影片从始至终都在避免将英雄“神化”的举动，而始终在展现他们普通人的一面，他们并不是生来就对信仰坚定不移，他们也有家人，也有牵挂的人，也想过放弃。

有人想着回家收麦子，有人也接到了炸毁弹药库的命令却不想执行，有人当兵不过是为了给阿姐赚嫁妆，他们一开始都没有准备为了当兵这份“差事”献出自己的生命，但当看到田园被毁、战友一个又一个地牺牲在自己眼前的时候，他们终于切身体会到了“信仰”这个词的力量。

“为了让人们都有选择的权利，这就是我们的信仰。

”而他们，看似没有选择，实则是在选择为这样的信仰而战。

从高大全的英雄主义叙事风格向人性化的风格的转变，也更能让身为普通人的观众共情，它让我们相信，我们每个人，都能成为捍卫信仰的英雄。

更让我惊艳的，是影片的视觉表达，每一帧画面都美得像一幅画，一幅充满了中国诗意之美的水墨画卷，让人根本想象不到本片的成本仅仅300万，而且全部都采用了实景拍摄。

作为一部弘扬和传承浙西南革命精神的电影，影片在浙江丽水市龙泉取景，这里也是当年红军的作战地。

这里人迹罕至，现在依然保持着原始森林的地貌，有一个几十公里长的山峡水库，很适合长镜头拍摄。

而电影里四处流窜的青蛇和成群的飞蛾，也不是电脑制作的特效，是真实地活跃在拍摄现场的生物。

而片中的演员们都采用了浙江方言配音，实地实景+本地方言的配置，也让观众很快地得以融入进当时的历史情境之中。

如果说以往的主旋律战争电影的主视觉是热烈的红的话，那么《云霄之上》的主视觉就是沉郁的黑。

影片一改战争片用快速的动态运镜和刺激血腥的作战镜头去展现战争残酷一面的传统手法，更多地采用长镜头和静态的画面去对比展现战争的惨烈和悲壮。

影片的一开始，观众听到的是寂静的山林里溪水淙淙，偶尔传来几声鸟啼，一个长长的镜头推过，在小溪深处，堆满了红军战士的尸体，漫长的寂静，让人忍不住寒毛直立，渐渐地，那个死人堆动了，一个红军战士艰难地拄着枪站了起来……远处，寒枝寂静，一条细细的青蛇嘶嘶地吐着信子，在无声地窥视着落单战士的一举一动，暗喻着他所处的环境中存在的危险。

这一段长镜头，体现出了影片画面的精致和审美的高级，这种无声的留白，胜过千万个震耳欲聋的战争场面，用水墨的、写意的方式去展现残酷战争的拍摄手法，是两种气质迥异的特质的结合，呈现出来的效果，很克制，也很唯美。

影片从头到尾都采用了黑白的镜头语言，没有运用乐器合奏而成的强配乐，而是采用了水声、芦苇荡里的风声、动物鸣叫等自然的氛围音效，让我有种沉浸式观影的感受，仿佛也体会到了执行必死任务的战士们心中的悲怆和恐惧。

因为敌众我寡的客观事实，战士们很难坦然地行走在阳光之下，他们常常是静默地，躲在山洞里、树林中，在黑暗中悄悄地行动，整部电影也在不遗余力地用视听语言展现当时这种肃杀和压抑的氛围。

这也使得画面中偶尔透露出的一丝光明，像是湖上的月光、洞外的一缕阳光、林间丝丝缕缕的光影，显得是那么的珍贵和令人向往，它似乎道出了这些大多数年龄还不满20岁的战士们，是什么样的信念让他们愿意牺牲小我，去保护我们的世界。

因为身处黑暗的人，必将百倍、千倍地向往光明，并为此而战。

战士们循着光走出山洞，带着必须完成任务的决心从容奔赴战场，山洞外的光明与山洞内的黑暗形成巨大反差，战士们“向光而行”的使命感跃然纸上。

就像《孤勇者》里唱的那样：“谁说站在光里的才算英雄。

”电影这门光影的艺术诞生于西方，所以很多东方的电影作品在拍摄手法上还是不免受到西方的经验影响，《云霄之上》虽然算不上大制作的完美作品，但它在表达方式上的探索，体现的是中式的诗意美学。

如果说《我的祖国》里的“一条大河波浪宽，风吹稻花香两岸”是用歌唱出的诗情画意，那么《云霄之上》就是用影像呈现出了家园的美好和战争的残酷，湖上渔歌唱晚，鱼鹰停在船上，芦苇荡里风声潇潇，远看浪漫，近看却在其间发生着紧张的战斗，两相对比之下，更凸显出和平的珍贵。

这些精心雕琢设计的镜头语言，值得再三地回味，它体现的是人类的思想之美，而非粗浅的感官刺激，而这，就是电影存在的意义。