我不在那儿

通过色调的不同，可以将电影分成四个时间段。

第一个时间段是小时候。

导演用的是生机的绿色调，给人一种强大的生命力，就像主角小时候一样，背上吉他，追赶火车，明明小小年纪却有着远超过同龄人的眼界与人生故事，无论面对谁，都可以信守捏来的应对。

第二个时间段用的是黑白色调，我觉得导演选用此色调真的是神来之笔。

思来想去，确实只有黑白色调才能表现出当时社会时局的动荡与人物内心的混乱。

历史总是相似的，如果一个人的思想远超那个时代，那他就会成为那个时代的人眼里的“小丑”，只有时间才能以最公平的视角来为他们正名。

鲍勃迪伦真的是一位纯粹的理想主义者。

无论他把自己包裹的再混蛋，他还是那个对音乐纯粹，想通过音乐唤醒人们意识的一位艺术领袖。

鲍勃迪伦绝对是infj（笑）。

多说一句，cate的演技真的好绝，几个动作就把人物在大环境下的疲惫与人物本身灵动演了出来。

第三个色调是冷的蓝绿色调，讲述了主角的恋爱故事。

从两人相遇便持续了此色调，或许这就是导演就从这时便暗示了两人的结局。

此颜色也是主角内心的外化，不管他对外表现的多么张扬与夸夸其谈，其实内心一直都是冷漠与理性的，就像他自己说的，爱或许是他一生都无法理解的事情。

第四个色调是暖黄色，此色调用做了两个时间段，这两个时间段第一个是通过伪纪录片的形式来讲述他的中年时段，第二个一切回归平静的老年时期。

暖黄的色调就好像经历了这一切之后的心境，平静，但却有着生命的重量。

影片最后最后主角又一次跳上了火车，或许他从来就没有变过，经历了复杂又精彩的一生之后，他还是之前那个在火车上弹着吉他，说走就走的流浪少年。

导演的功力真的好高，几个时间段的故事讲述的都非常不错，有始有终。

几段故事的穿插也非常的丝滑。

音乐的加入也恰到好处，因为有故事情节的支撑，即使放了很多首音乐也没有让电影沦为一部大型mv现场。

cate的演技真的每次看都会被她折服。

喜欢电影名字出现的方式，让人有种期待。

喜欢电影里的音乐一度认为在看每部电影时，我可以短暂的活在他们的世界里，但这部例外。

或许因为我对音乐的空白，或许就是因为I'm not there.你说的对：我需要再看一遍这部电影。

ps:“我只想改变我自己”

1.never trust a cop in a raincoat.2.beware of enthusiasm and of love.each is temporary and quick to sway.3.when asked if you care about the world's problems,look deep into the eyes of he who asks.he will not ask you again.4.never give your real name.5.if ever told to look at yourself,never look.6.never say or do anything the person standing in front of you cannot understand.7.never create anything.it will be misinterpreted.it will chain you and follow you for the rest of your life.and it will never change.

Claire跟Robbie令人惋惜的一對，現在十分常見。

Jude跟Coco令人莫明奇妙的一對，每晚都見。

Robbie跟Jack，令人懷念的一對，來生再見。

Woody跟Billy，令人覺得老套的一對，並不罕見。

七個人都分配到哪對？

最興奮是响起Anthony and the Johnsons。

http://kahsone.blogspot.com/2008/08/blog-post_26.html

我对鲍伯迪伦不甚了解，有一本分别介绍他与披头士的双封面图书（两者各为封面），也是翻翻就忘了，这并不影响我看关于他的电影。

事实证明，这部人物传记式电影绝不需要你对迪伦本人有多少认识，你只要跟着时而黑白，时而彩色画面的感觉走就行；电影彻底地将迪伦分解得七零八落，大玩结解构主义，你可以把它看作是5、6个互不相干的人组成的拼贴故事，只是恐怕迪伦他老人家自己都会说：“It is somebody else，not me.”我不知道原来凯特布兰切特更适合做一个男人。

她烫卷毛、穿细窄裤、戴苍蝇镜，这是化妆师的功劳；可是她模仿迪伦时不时搓搓鼻翼，微缩肩膀，哦，还有她在片中初次登场，上舞台拿话筒吼叫的范儿，将过去或纤弱敏感，或高贵妩媚的女性形象统统颠覆。

尽管她是女人，却是最接近迪伦为大众熟知的歌星身份的一个。

布兰切特演的这一段同样含有大量的虚幻成份（像摇滚一样电影），但借助鲍伯之口，更为讽喻和抨击现实。

而希斯莱杰演的那段，纯然是迪伦的罗曼史，可以把它当作有些伤感的恋爱小说。

李察尔基那段，则是老来归隐田园。

人生终结于一片田园风光里，必是自幼飘零的迪伦应许之地。

这部电影里有许多足可玩味的细节，各领风骚的大牌明星，关键是，它不是一部传统意义上的传记电影，由迪伦这个点延伸出无数条色彩斑斓的线。

我不在场，果然。。。。。。。。

怎么说，并不闷。

有音乐的电影是不会闷的。

受过《天鹅绒金矿》熏陶的人应该对th有心里准备，加上漫天席地的6合一宣传，电影的形式早就知道了，何况并没有天马行空抽象晦涩得一塌糊涂。

基本上都是明星，脸儿熟，不会把人认错。

所以唯一的阅读障碍是对dylan的不了解，这种“了解”不是普通的“了解”，而是粉丝程度的了解。

电影里几乎每句话都有出处，就算一老美也未必知道典故在哪。

所以这是一部超级粉丝拍摄的，与其他粉丝分享的电影，其中还渗透了粉丝本人对偶像的理解。

非粉丝非文青如我者，纯粹外行看热闹，恩，主要目的是heath,这一点我承认。

这部电影的真正明星依然是导演，th才是我最闪亮的那位。

Cate女士的中性形象迷死无数人，我倒觉得一般般，演成这个效果对于她来说完全不难，而且导演也未必要求其“形似”。

乱想一下，不如叫李春春演，说不定效果也奇佳。

Cate要是拿了小金人，要感谢的是造型师。

理查基尔的角色是2度创作的dylan,并非现实中的，所以算是最有创意的；最“象”dylan的，真的在“模仿”他的，只有bale的那个。

Julianne Moore的Joan Baez到底有多象，还真的有机会看看过去的歌手录象才行。

Heath演的是婚姻中的dylan,看到他拿着女儿的照片，意识到即将和爱女告别，满脸忧伤，我也忽然醒过来，这不仅是tod haynse的电影，这更是一部heath的遗作。

不由得伤感起来。

电影里的这一幕竟和他本人如此相像，而拍摄的时候他和michell还处在稳定期，心中一定没想到，角色的命运其实就是自己不远的未来。

Michell当时是随夫同上片场，却被导演选中客串了几个镜头。

角色虽小，来头却头，正是著名的factory girl.几个镜头，居然十分抢戏，很多人都觉得她比heath演得更好。

希望她好好的，一切都好。

电影原声就不听了，我对他本人的歌都不熟，别人翻唱的更加没感觉了。

原先是冲着小本下的这个片子，觉得拍得非常不错了，用多个演员解释清楚了过程和bd这个人物，而且表现手法很抒情。

本来觉得小本演bob dylan会不会不够硬气，后来才发现bd本身就是个软胚子。

片子里面bob是个careless而又可恶的人。

不过啊有句话他没讲错，他又不是总统，他只是有感触，他只是个唱歌的，“他只是喜欢说”。

他不关心任何事情任何人，他只是感受到了只是抒发出来。

这样的事情天天都在发生，又有什么可重要的？

他只是个虚弱无力的人，想让自己更自在一些而已，虽然说过一些言论并且说得也正确，但那又怎么样了呢？？

这就是他，一个神经敏感的，沉浸在感受中的，容易受害的，不负责任的，一片混乱支离破碎的人，可偏偏就是有才华，而且歌曲确实好听。

对他来说事实不重要，感受重要。

除非你也把你的情感让他这样的人也明白。

否则他这样的人，拒绝对他所产生的一切负责。

不过我想没人会这样做的，因为他做的事情（让他人产生强烈的感受却又告诉他们其实我一点儿也不在乎。

）真的太不能让人原谅了。

他是适合当创作歌手的，也仅仅适合当创作歌手。

我在心情不是很好的时候看这个片子，一开始我觉得拍得非常不错，很多镜头表现得很舒服诗意，很多镜头倒带看了好几遍，很多歌也喜欢上了。

后来慢慢发现原来有人比我更up set，比我更无可救药，人生也更没意思，就像这个片子的名字一样，i am not there，这7个人既是他本人，也一个都不是他本人，因为他在别人的事情里活着，像个吹牛狂又像个空壳，因为其实一点意义都没有，that‘s fun。

如果不是看片之前先对故事的结构和鲍勃·迪伦本人有了一个大体上的了解，估计我也会在这两个多小时的片子里迷失。

这是部有创意的人物传记片，六个完全不同的人物，六个完全不同的演员来扮演，故事将时间顺序打碎，用看似完全不连贯的六段故事，时而黑白时而彩色的影像不断穿插，仿制的人物采访和作旧逼真的实况演出图片交替出现，通过每一个人物将鲍勃·迪伦切割成块，似乎正好与开头时躺在手术台等待解剖的画面相呼应。

他音乐风格的转变，他的思想，他的信仰，他的情感，经由不同演员的表演不断展现在观众面前。

这部片子所涵括的信息量也无比丰富，我想如果对鲍勃·迪伦本人不十分了解，或者说对上世纪60年代的美国社会现状不了解的人恐怕在看片的过程中会遗漏、忽视很多信息。

于是，在我的眼里这部片子与其说是结构特殊的人物传记片，不如说鲍勃·迪伦变成了一个文化的符号与一种精神的象征，从他自我而随性的生活状态中反而体现出他对于音乐本身的一种执着与坚持。

六段故事里印象最深刻的当数凯特布兰切特的反串演出，削瘦的身型顶着一头曲曲弯弯的短发，有些神经质的手部动作，吸烟时蜷局的腿，将一个相当自我的摇滚音乐人展现无疑，因此，很多人都说她所扮演的形象最靠近迪伦本人，而片子最后车上的凯特布兰切特那个意味深长的眼神或许展现了演员本人作为女性狡黠的一面，令人难忘。

已逝的希斯莱杰在其中也扮了迪伦的另一个侧面，展现了迪伦的感情世界，他与妻子的相识、相爱与分离，从这个段落中可以感受到他对妻子的爱，但是也由于其自身的性格原因，两人的分手也再所难免。

总而言之，虽然通篇导演运用的电影手法众多，初看之时或许有些难以理解，但是，如果能静心品读应该还是可以理解其中的意味。

——简评《I’m Not There》 　　　　文/老丁 　　　　 　　　　有说迪伦是被拍传记片最多的音乐人，当然这种说法没有人去确切考证，况且也并非不是，因为迪伦自己人还健在，还远不到盖棺定论的时候。

但可以确定的是，之前的迪伦传记片普遍没有什么影响力，之前马丁·斯科塞斯拍的《No Direction Home》只能算是人物纪录片，但为什么之前那么多人的拍摄甚至编排成舞台剧都只能以失败告终，也许是迪伦不像猫王或者迈克尔·杰克逊一样拥有庞大的大众票房号召力或者商业价值，还有大家肯定都有一个心照不宣的共识——迪伦实在是太难拍了。

　　　　迪伦在流行音乐上的革命意义已经彪炳史册，有关他的歌词的文艺意义也几乎成为一门“显学”，几多次被诺贝尔文学奖提名，并且就在几个月前还被授予普利策奖，但美国的传媒界却几乎众口一词——不是迪论需要普利策奖，而是普利策奖需要迪论，他早已经成为一个标签化的人，一座丰碑式的期待形象，一个凌驾于大众之上的精神偶像。

而他个人后期与外界的相对隔离，他成名之后对记者的若即若离，以及他自己卓越的个人保护意识以及能力，都让“迪伦”这个符号被严重界定，但迪伦这个人又是一个非常不想自我界定或者被外界界定的人，这种虚虚实实的在场和不在场让迪伦成为影象的最佳素材，也是最难触碰并且最难表现的鲜活样本。

　　　　好在世界上不只有迪伦一个聪明人，在音乐上，在文学上，在政治态度和生活理想，不同的领域有各自的卓绝人士在维系着生命伦理。

领域之间有共融和互通，比如一切文学都是人学，所以迪伦也就并非不可表现，一种合理合适的影象，体现一个音乐人的生命历程在越发显得珠联壁合。

有鬼才导演之称的托德·海因斯就是一个聪明人，这个在《Velvet Goldmine》（丝绒金矿）已经可见一斑，还有一层意义，据说之前好莱坞过去10多年已经准备了大把的银子等着迪伦点头授权，但迪伦最终只认证了《I’m Not There》的版本，并向托德·海因斯的剧组送上祝福，在某种程度上也可看作是迪伦和托德·海因斯两人的通融。

　　　　一直被看作是噱头的多人分饰一角其实并非没有先例，早前就有一个音乐剧在表现同样伟大的约翰·列侬，不同肤色不同性别不同国家用了9个演员来体现列侬一贯主张的“世界大同”。

和托德·海因斯自己也承认，从《I’m Not There》还在酝酿的时候，他就早准备好了跳出《Ray》和《Walk the Line》的套路，用一种气象万千的张力来呼应迪伦，所以克里斯汀·贝尔、希斯·莱杰、理查·基尔、本·威士肖等人的面孔才浮出水面，而在茱丽安·摩尔等一干女演员试镜之后，在确定由影后凯特·布兰切特中标，熟悉电影的人会会心一笑，因为单纯从选角这一项，就可看出托德·海因斯慧眼独具之外绝对有谱。

　　　　望眼欲穿之后，影片先在威尼斯收获一个评委会大奖和凯特·布兰切特的最佳女主角，这几乎是意料之中的事，金狮输给的是张艺谋做主席的《色，戒》，但大家都已经不太在意。

略为在意的是凯特·布兰切特在奥斯卡最佳女配角中败北，大家也都知道，是届奥斯卡，凯特·布兰切特是最为风光的女明星，这些都是题外话。

而真正影片开始的时候，迪伦首先是一个叫伍迪的黑人小孩，抱着把写着“法西斯”的吉他到处游荡，好感立即又来了，因为大家还都知道，是谁真正影响了迪伦，而伍迪·格斯里才是“迪伦”这个符号真正意义上的父亲。

随后克里斯汀·贝尔扮演的民谣歌手杰克，以及那个叫约翰的“再生基督徒”，在一定程度上暗示了迪伦后期对基督和福音音乐的热衷；新生代传奇的希斯·莱杰扮演的拥有和迪伦一样的婚姻生活的罗比，一个因为私人生活面临分崩离析而被受纠缠的丈夫和父亲；理查·基尔在错乱的时空中高深莫测的老牛仔，隐喻因为摩托事故而从公众视线中遁离的时段；本·威士肖版本的阿瑟因为一直迷恋19世纪的法国诗人兰波而一直在阐述自己的主张和怀疑人生；更为惊艳的当然是凯特·布兰切特，黑白影象，现实和超现实交织，亦真亦幻，阴郁并且细腻，表情飘忽闪烁不定，脾气古怪不着四六，分明就是在英国巡演和《Don’t Look Back》时代的迪伦，在汽车里和艾伦·金斯博格隔窗对话的场景惟妙惟肖，坐卧的姿势和弹吉他的背影都让人叫绝…… 　　　　更让人叫绝的，是托德·海因斯称自己从来没有见过生活中的真实迪伦，更没有为了电影去采访或者请教他，只是通过迪伦的唱片和影象资料来接近，一种保持着距离的接近，一种艺术上的逻辑接近，一种断裂的破碎接近，托德·海因斯自己说：“电影从他的生活中汲取素材，6位迪伦会站在一起告诉我们，这个拒绝自己以往扮演的任何角色，不断前进而又不断否定自己的人到底是谁。

”虽然启用了不少好莱坞明星，但影片《I’m Not There》还真是拍给迪伦自己看的，拍给迪伦的研究专家和崇尚文艺的知识分子们，因为其中有关迪伦自己的生长背景，有关迪伦生长过程中经历的垮掉一代、越战、黑人解放、女权运动等时代背景，包涵了太多的“在场”信息。

对于同时代的人或者研究迪伦的人来说，这些信息的存在是绝对必要的，而对于一般的迪伦粉丝，或者普通的观众来说，就显得晦涩并且了无生趣，所以托德·海因斯剑走偏锋，丝毫没有讨好大众的意思；更难能可贵的是，就是对于那些标榜研究迪伦的专业人士也不啻为一种折磨，庞大繁杂的资讯在很短的时间内不断切换跳跃，在一种措手不及中完成着场景和画片的转接，故弄玄虚并且出其不意，不知道下一步衔接的将是一个什么样的存在，这种方式的确相当“迪伦”。

　　　　曾经在美国研究过迪伦的国内乐评人袁越（著有《来自民间的叛逆》，其中有大量篇幅讲解迪伦），看过《I’m Not There》影片后曾放言，“我相信国内能够真正全部看懂这部电影的人不超过10个”，他的意思应该自己是看懂的10个人中间的一个，这种说法还是一种可爱的执拗。

其实电影的名字已经是“我不在场”或者“我不在那儿”，懂和不懂又有什么的界限。

因为单纯从电影看，这是一部文艺片而非商业片，这是一种以迪伦的方式拍迪伦的影片，这也是之前拍过的林林总总迪伦传记电影甚至音乐人传记电影中非常出色的一部。

而迪伦自己之所以选择离开公众视野，也许正是有那么多的人想“弄懂他”，弄懂他为什么一直在变，弄懂他为什么可以“给时代代言”，弄懂他的音乐和他的歌词之间到底是在讲什么，甚至弄懂他和琼·贝茨之间到底有没有爱情而又为什么分手。

那么多人想把迪伦这个人神化，神化之后又有那么多人想把迪伦这个神还原成为人，于是人神之间来回折腾，直到迪伦自己都厌倦了，于是选择“不在场”，谁知道“不在场”竟然也是一种“在场”，哲学意义宗教意义上的诠释纷至沓来。

所以不管迪伦自己是不是被拍传记片最多的音乐人，但肯定是养活评论家最多的音乐人，猫王和列侬没有活他这么时间长，杰克逊又没有像他这样会写歌词。

于是就他这样的差劲嗓子，一个一般意义上绝对的糟糕歌手，让流行音乐不在只是音乐，从这个意义上说，托德·海因斯拍出来的《I’m Not There》真是善莫大焉。

　　　　“我不是什么代言人，我只是月光下裸体的舞者”，成名后的真实迪伦究竟是一个什么样子实在是有趣，有趣到无趣，因为已经被过多的阐释，被过多的神化，从某种意义上说，这种阐释甚至还不如一定要爬到迪伦家房顶上窥探他私生活的行为更为可爱，但是没有办法，他自己有这个能耐成为一个能够“预测风向的人”，即使到了后期躲进小楼，还是有各类的奖项等着颁誉。

作为一个公众人物他无法脱离公众，就如同作为一个现代人无法脱离现代，一个“在场”的人必须在场一样。

“I’m Not There”出自迪伦一张没有正式发行的专辑《The Basement Tapes》，据说歌词中有这样的句子，“我总是在诱惑面前犹豫不决/现在诱惑不再跟随我/但我已不在那里/我已远去。

”年近七旬的迪伦回首前尘往事也许会万般寂寞，但其实，从电影《I’m Not There》中，从一干为电影做配乐的Pavement、Yeah Yeah Yeahs、My Morning Jacket、Pearl Jam、Television以及Wilco乐队主唱全数在列，还有Sufjan Stevens和Cat Power，Sonic Youth和Yo La Tengo，老一辈的Willie Nelson以及迪伦多年的好友Ramblin' Jack Elliott……其实大可不必寂寞，聪明人还是大大的有，迪伦自己应该还是可以欣慰的。

罗兰巴特在《符号帝国》中阐述日本人对礼品包装的重视已至于将礼物本身空洞虚幻化为一个符号。

不幸的是一部关于Bob Dylan（包伯.迪伦）的电影，被6种视点的包装下把包伯.迪伦彻底的符号化了。

这不是一部纪录片，这是todd haynes续反映50年代风格化的电影《远离天堂》后的新作。

在片首演职名单里加着一句“（本片）得易于包伯.迪伦的音乐和他的多重生命“，一个包伯.迪伦的吹口琴特写，这也是全片唯一原人包伯.迪伦的录脸。

其后，电影让其他音乐传记片瞠目，一段意想化的场景中，一个黑人少年宣称他是武迪.咖斯瑞(woody Guthrie)，这是根据包伯.迪伦的首张专辑中的歌曲song for woody给武迪之歌的演义。

同样电影中指代早年包伯.迪伦出演的电影《比力小子》的片断。

六位男，女演员分别饰演一角本身就异常特殊。

电影中穿插马丁.路德金，示威骚乱，尼克松宣布越战结束的历史镜头分明是为了确定包伯.迪伦的历史地位，但我不禁要问，一个历史薄如纸的年代，有什么意义去过度定义。

还是用迪伦的歌词来结束本文：成长在你的时代，孩子，唱吧，唱你的时代。