我失去了身体

这个片子的主角就是这只手。

片名叫“我失去了身体”，而不是“我失去了手”。

从头到尾是我一直在追寻我的身子，而我的身子不在乎我。

即便我已经找到了我的身子，身子也没意愿和我对接，撤回了肘。

这个世界就是这样巨大雄伟的。

甚至我自己的身体在脱离我的一瞬就也变成了我的外部，外部无所谓我怎么样，外部继续它的正常运作，该干嘛干嘛。

外部不受我的影响。

若这时我受了苦，那“不受我影响”带给我的感受就是，社会是冰冷的。

我影响不了外部的含义，一方面是它们不关心我，另一方面是，我干什么，干的怎么样，也都无所谓。

所以男孩长成了一个不function的样子，漫不经心。

故事的高潮就在这儿，你以为这种货色，再遭受这种打击，得轻生吧。

但是他没有，烂也能烂烂得活下去。

你也许遭受了重大打击，失去了宝贵的东西。

若你带入那个被你失去的东西的视角，比如说这只手。

然后观察到，身体在失去手后还是能放得下，继续活下去，身体没你这个手也没什么，此时就体现出电影的人文关怀了。

以这只断手做主角，体己的话变得更有说服力了，这是制作人的巧思啊。

来源：https://www.renderbus.com/share/Oscar-i-lose-mybody奥斯卡提名动画《我失去了身体》幕后制作揭秘2020-03-04 09:28:11大咖专访Oscars奥斯卡奥斯卡提名动画电影《我失去了身体》在Netflix全球播放，烂番茄评分97%，并在戛纳电影节和安纳西国际动画电影节获奖，可以说是非常热门。

SIGGRAPH对电影的制片人Marc du Pontavice和导演Jeremy Clapin进行了专访，让我们一起来了解更多关于这部电影的幕后制作。

SIGGRAPH: 是什么让你们决定把小说《Happy Hand》改编成动画?Marc du Pontavice（制片人MdP）：当我在2011年读这本书的时候，唯一吸引我的是它的“视点人物写作手法”(POV)。

是手错过了身体，而不是身体错过了手。

它抓住了我的想象力，我觉得这可以引发非常强烈的隐喻，关于精神的碎片和它对整体性的渴望。

Jeremy Clapin（导演JC）：我喜欢这本书的地方在于它从一只手的角度出发并寻找它的身体这一独特的体验。

这是一次穿越城市的史诗之旅，也是一次对主角的过去的追忆之旅，让我们一点一点地挖掘藏在表面之下的人物世界。

我们第一次用手体验世界。

通过我们的手，我们的触觉被唤醒，我们在身体上与世界相连。

这是一种普遍的体验，它强烈地唤起了我们的童年，并引导我们真正地用心去旅行。

我也喜欢这本书对奇幻的运用。

当幻想的元素在现实中爆发时，它让我们以全新的面貌来观察现实世界。

从外在和内在两方面来看，它突出了一些很难正面处理的主题，如命运、对自我的追求和存在的不完全性。

我喜欢这种幻想与现实之间的对话所产生的诗意。

当然，除了这本书本身的吸引力外，我与制片人的一次会面也是一大原因之一，我们对电影有着共同的热情。

我想要将动画电影做得更符合成年人的口味，更有创意，更有风格。

SIGGRAPH：可以简单地谈谈你们对动画媒体最感兴趣的是什么吗?你们从哪里得到这个项目的灵感?制片人MdP：这个故事最大的挑战和电影作为媒介的最大问题(只有伟大的导演才能回答)是:你如何为一个只有五只手指来表达自己的角色创造同理心?只有动画才能达到这个目标，因为它可以完全控制所需的画面。

同时，我也很高兴能有一个没有对白的故事。

我在过去的动画喜剧中做了很多这样的事情，但从来没有在电影戏剧中做过。

导演JC：动画给现实带来了距离。

它有能力质疑我们的目光和我们与世界的关系。

为了更好地理解我们的世界，它创造了一个世界。

我的灵感既来自真人电影，也来自动画片。

昆汀·杜皮约(Quentin Dupieux)的电影《橡皮轮胎杀手》(Rubber)是真人版，讲述的是一个轮胎活了过来的故事。

如果给一只轮胎赋予生命是可能的，我相信我也可以给一只断臂赋予生命。

而给我灵感的动画，毫无疑问，是今敏的《千年女优》和《东京教父》。

SIGGRAPH: 可以和我们一起回顾一下这部电影的制作发行历程吗？

制片人MdP：自从Jeremy上任以来，这是一段漫长的旅程。

在讲故事方面，他的野心很大，所以他花了许多年的时间尝试了许多途径，从剧本到故事板再到编辑。

此外，工作流程也很创新，所以我们的前期准备很复杂且充分。

但是，获取资金的困难给了我们很多时间去寻找技术和创造性的解决方案。

在五年的时间里，我们没能说服第三方加入我们的团队，于是我们决定用自己的钱启动这个项目。

那是在2017年，做出决定的那一刻，我们觉得，花了那么多的努力准备，我们想要制作的电影在我们的脑海里是如此的清晰——我们不能放弃。

最后，当电影最终定稿并在戛纳电影节上放映时，Netflix向我们提出了一个方案，清楚地表明了他们对这部电影的热情。

我们知道它找了最好的归宿。

SIGGRAPH: 分享一下在电影中你最自豪的镜头或场景，以及为什么？

导演JC：就是Naoufel和Gabrielle第一次通过对讲机说话的场景。

他们不是身体上的联系，而是通过他们的想象进行联系。

通过Gabrielle的声音，Naoufel以一种感性的方式重新与这个世界联系起来。

这组相对静态的镜头持续了7分钟。

这组镜头最大的挑战就是，要成功地把观众和男主角Naoufel一起置身在走廊里，但思绪可以和Naoufel一起去到另一个地方，这是令人愉快和意想不到的。

这是一个决定性的场景，因为它证明了Naoufel未来所有行动的正当性。

那就是他坠入爱河的时刻。

从技术上讲，这是一组相当简单的镜头，但在叙述和节奏上要复杂得多。

我将整个场景用故事板呈现，然后和剪辑师Benjamin Massoubre做了很多节奏方面的调整，让它看起来很自然。

SIGGRAPH: 配乐与动画的关系是观众理解电影的关键。

团队在这方面是如何紧密合作的?这对电影的动画师来说意味着什么?导演JC：音乐的作用是让我们远离现实,远离日常生活的城市和环境,让观众的感受升华到更奇妙的层面。

音乐可以为创作带来了现代感。

音乐可以从情感上连接电影中不同的时间线。

音乐可以闯入城墙，迷失，并在声音设计中重生。

上面的细节大概就是我给我们的作曲家Dan Levy的一些介绍。

在Dan加入之前，为了找到电影的气氛、情感和节奏，我们先制作了模拟音乐。

这使我们确定最终的目标。

这个阶段的编辑相对来说是锁定的。

Dan来的时候，一切都很简单。

我们聊了一会儿，他甚至没有听，为了不受影响，他删除了所有的模拟音乐。

【笑】然后，他循环播放电影，开始自由地创作音乐。

这是一种非常形象化的方法，通过这个方法我们可以在整体上定义音乐格局，避免迷失在细节中。

一周之后，Dan已经为这部电影奠定了几乎所有音乐的基础。

我们只需要在正确的地方分配这些作品，并将它们详细地混合在一起。

然后，我们花了大量的时间打磨，使音乐与声音设计相互作用。

有时很难知道什么时候开始，什么时候结束。

我和Dan的会面是天赐良机。

这是一个真正的艺术和人类的邂逅。

毫无疑问，他是这部电影的作者之一。

正如我经常说的，如果电影是一个星球，那么音乐就是让这个星球运转的宇宙。

SIGGRAPH: 以一只手作为电影的主角已经是一个非常独特的挑战了。

那么从技术上讲，在生产过程中还有什么其他的挑战吗？

导演JC：我想要创作一部现实主义的电影，但我希望它是用木炭和少许“粗糙”的线条画出来的。

我还想要一些非常电影化的东西，有灯光、特定的氛围和身临其境的摄像机动作。

我们必须使用CG和传统2D的技术组合来实现这一点。

这个电影所有的制作都是在Blender上完成的。

我们以一种基本的方式建模了所有的场景和角色，然后用CG(角色和摄像机动作)制作了动画。

这让我们得到了一个更加有“实景”感的舞台，不同的角度和镜头移动比传统的2D电影更加进化。

当观众从“手”的视角出发，他们会感觉到周围的空间，这是一种更强烈的体验。

接下来，动画师重新设计了所有的东西，让电影最终呈现出来。

动画师可以直接在CG上作画，这要归功于Blender里的Grease Pencil工具，让我们获得了宝贵的时间。

然后，我们花了很多时间来合成，以便把这种非常电影化的一面融入进画面。

主要的困难是这个电影是完全混合和新的。

你需要知道什么时候停止CG，什么时候开始2D。

事情并没有那么简单，一开始我们就笨手笨脚的。

我们必须在内部开发脚本，以促进和加速工作。

制作这部电影花了18个月的时间，这对于一部动画电影来说是相当短的时间了。

SIGGRAPH: 这部电影获得了奥斯卡提名，你认为这对未来面向成人的长篇动画电影意味着什么?制片人MdP：这意味着我们的行业希望多样化。

很多人想通过动画媒介来创造和感受不同的东西。

《我失去了身体》是一个活生生的例子，它证明了动画可以传达成年人的情感和复杂的故事。

在动画中，我们找到了一个可以讲故事的世界。

导演JC：这意味着长片在短片之后。

到目前为止，这个行业设置了一些限制(家庭电影、市场推广等)，而我们需要清醒过来，对成年人进行动画教育。

在这个行业里，人们对短片文化的了解还是比较欠缺的。

现在行业中有着擅长做成人动画的创作者。

如果人们想看到更多的成人动画，我们需要为这些创作者留出更多空间。

这是两个故事的叠加。

一边是手的故事。

一边是一个披萨配送员劳伍菲尔的故事，他的父母因为提醒他，出了车祸去世，只留下了他。

最后揭晓，他在工作室里捉苍蝇时，手被切断，断手就是他的手。

一只手到处跑，它经历了一系列冒险回到主人身边。

话说我看到了好多电影里面喜欢用一只手这个意象，《侍神令》里慈沐大师兄的手，《亚当斯一家的价值观》里的哥特式黑手等。

在地铁站下面遇到了老鼠，老鼠试图吃了手，于是手点了打火机吓住老鼠。

手后来被导盲犬捡回去了。

劳伍菲尔工作并不顺利，送给顾客的食物被挤坏了，然后他自己在楼下边和顾客聊天边把披萨吃了，这个顾客就是加布丽尔。

他追着图书馆员加布丽尔到了一个工作室做学徒。

结果捉苍蝇的时候不小心把手斩断了。

结局就是断手找到了劳伍菲尔，但是没能成功安回去。

说实在的，我没怎么看懂这个电影的意义...或许是失去的东西终究难以挽回？

工作室

这世上到处都是命运的苍蝇，苍蝇的本性就是追逐甜蜜，幸福的甜蜜。

一直相信身体中的每一个细胞都有自己的想法，都有自己的体验，虽然不确定它们是否也会为回到我身边而奋不顾身。

那只手是否知道即使回到身体的身边也无法与身体愈合，它是否知道它的命运已经被注定，只能独自腐烂，它可能什么都不知道，只是有一种渴望，一种想要找到身体的渴望，一种想要完整的渴望，不过或许它知道，它知道命运无情，但还是想试一试，也许是命运错了，或许它还能恢复，总之有什么能比挑战这既定命运让人兴奋？

我想要当宇航员，我想要弹琴，我想要和你一起去看北极光，我想要和你一起在冰屋取暖聊天，命运作祟么？

亦或是我太无能么？

命运的苍蝇从未离我远去，这么想要叮咬我腐烂的肉么？

或许是我活该，但是怎能一直在这该死的命运的掌控之中，被它苦苦折磨。

对，怎能一直在这该死的既定的命运的掌控之中，怎能这样，我不想如此，我不同意，我要做出跳脱掌控的行为，那么就奋不顾身吧，奋不顾身找回身体，那么就纵身一跃吧，跳向那个塔台，这是对命运的挑战吗？

这有意义吗？

对，这是挑战吗，这有意义吗，即使与身体靠的那么近却还是无法愈合，即使跨越塔台，我还是失去了所有，可是谁在意呢，我只知道那天塔台上翩翩飘落的雪花是如此的打动我，亦如那天归途中的我欣赏的夕阳西下，纯粹而又美好，迷人而又寂寞。

断掉的手掌经过灰暗的迷茫期（逃避人群被老鼠围攻...），然后被涂鸦的面具人启发，应该找到自己存在的意义，但却发现自己离自己的身体尽在此处，但两者之间却隔着注定无法愈合的伤口，就像自己努力追求的希望之光（心仪的女生）到头来却也隔着自己看不到的距离。

身边飞来飞去的苍蝇，总是那么的那让讨厌想要远离，却又无可奈何无法抓住。

也许就像命运，生活注定会充满挫折和灰暗，我们妄想做个假动作来躲开开，却发现可能会陷入另外一种悲剧（可能只有接受现实就是这样才能真正的释怀）。

虽然没怎么看明白导演在讲什么，但对于男主和断手的经历和处境好像有着深深的感同深受的感觉（人生总有那么一段时间感觉整个世界都是灰色的冰冷的，那种万念俱灰的感觉）。

命运有时就是那么的绝望曲折（小时候梦想成为钢琴家宇航员却因为一次意外寄人篱下去在雨天送外卖），当所有人都以为男主会是跳楼自杀的结果，他却选择了跳到对面的铁塔上面对绝境好像放弃离开是唯一合理的选择，但换个角度选择与命运握手言和和谐相处可能也不失为一种更好的选择

我总以为所有的回忆都在脑海里。

殊不知，身体也在悄悄地记载着岁月，手背的斑点，随着老去而显现的褶皱、指尖的粗糙以及下意识的行为。

大脑的记忆会模糊，但身体的回忆不会蒙骗我们，那真切与现实联结的触碰，深深烙在手上。

《如何学习》说根据先损耗后增长的法则，在你提取记忆内容时再次激发出更高的提取能力和储存能力。

失去的手就是损耗，因为它，那些尘封已久的回忆再次被打开，激发出更深的细节与情感。

原来和《91公分之外》是同一个导演。

太喜欢手的视角了，看预告片的时候已经被打动。

手是生命中种种经历的重要参与者，如果手与自我意识分开，似乎确实能有完整的“灵魂”——有记忆、感受能力、行动能力。

片中非常细腻地表现手的形态甚至“神态”，对肢体语言的掌握太妙了，没有表情也能精确地传达情绪。

与命运抗争，出其不意才能有突破。

看起来自己是被命运裹挟的，其实命运是自己认定的命运，“出其不意”的“其”也是自己。

在尾随女生时，犹豫着，在地铁门关闭的最后一刻鼓起勇气冲出去。

有过多少个这样的时刻，你认为事情就会这样走向结局了，一边接受结局一边想“果然如此”，是不是这样的时刻经历多了就会相信宿命论。

那么是否尝试过在面临这个所谓既定的结局时，不是在想“一切挣扎都是徒劳”而放弃行动，而是放手一搏。

男主试图抓住苍蝇而不慎失去一只手，就像与命运搏斗而付出惨痛代价。

人生就是如此，再谨慎都无法考虑到未来的所有风险，在一片随机和混沌中，谁能确定不会失去诸如“手”这样重要的东西。

不幸命运的开端记录在录音带中，在失去了一只手之后，再次续录下破釜沉舟的决心，改写成突破命运的人生。

请你，请你，也能有勇气做出非生即死的那一跃。

（城市的孤独感，氛围随着配乐深入骨髓，日后再细品）

一部很有门槛的成人动画。

在声音方面，这部动画做得非常好。

一是音效非常棒。

可能是因为男主有收集声音的癖好，所以在音效方面做得很细致、很逼真。

苍蝇振翅的声音，风声，打火机的声音，地铁压过轨道的声音，孩子的笑声、咀嚼声，刀尖割开木板的声音，脚踩雪地的声音……都让我印象深刻。

二是BGM很好听，拉紧心弦和放松后的BGM很喜欢，有一种很空旷、很寂寞的感觉，十分贴合整个作品。

但是，对故事本身，我可能理解得并不深。

我认为这部作品的主题还是“孤独”，这仿佛是一个永恒的话题。

男主小时的生活单纯而幸福，父亲母亲都是亲切而开明的人。

他的梦想是成为能上太空的钢琴家，而平时最大的兴趣爱好是用便携式卡带收集生活中的声音。

但有一天，正是因为收集声音，他的父母永远离他而去了。

从此他的生活不再明亮，慢慢变成了每天混日子的大人。

终于有一天，他遇到了女主，多一句的关心为他孤独的生活点亮了一盏灯。

也难怪他会丢掉防备，鼓起勇气去靠近光亮。

无奈“孤独”还是包围着他，女主对他只是平常态度。

他的那个小小的冰屋，挡住了灰暗的天空，冰冷的温度，但生活依旧平静。

最后，我觉得他有点“痴”了，所以——失去了手。

而片名的“我”不是我，而是这个手。

这只手，却展现了与“我”不一样的人生态度。

手用自己的力量穿越了整个城市，它勇敢对抗老鼠、机智应对变故、多次展现“跑酷”技巧，但同时也包含温柔，为婴儿捡起掉落的奶嘴、偷偷坐到盲人音乐家身边静静凝听他的钢琴声、最后轻轻地回到“我”的身边。

后面这两个情节，现在想起来竟然有点想哭。

坐在那里凝听钢琴声的时候，它回忆起了自己很久以前也曾弹奏钢琴的模样，小时候的一切都回不去了。

难过的是，偷听被发现，还要被当做过街老鼠，被棍棒打、被狗狗追咬。

而最后终于回到“我”身边时，它已经筋疲力尽了，它只想回到最初的位置好好休息一下。

但导演残忍地在我以为作品走向玄幻的时候，把我拉回了现实。

整部作品几乎都是灰暗的色调，唯一明亮的地方是第一次看到女主真人的时候，那一点明亮的薄荷绿。

而在他向往的北极，也是茫茫一片真干净。

这样生活在社会底层的小人物，一定十分常见，他们没有什么目标，只是沉浸在孤独当中，寻找着一丝一点的光亮，然后努力去抓住，最后再次被生活折磨得遍体鳞伤。

我觉得，最重要的还是要“接受孤独”。

孤独是人的常态，人是独自来到这个世界的，也将会是独自离开这个世界的，眼睛、鼻子、双手、身体和大脑都是属于我们一个人的。

所以，我们必须接受孤独，用自己的双手去点亮打火机，而不是将生活的希望寄托在他人散发出的光亮上。

男主在最后也是接受了这种孤独吧，所以他将自己的孤独也用卡带记录了下来。

那场跳跃是一次面向死亡的狂欢，是一次自我解放。

我不知道他最后是自杀了，还是活下来了。

但我知道，那只“手”欣慰地“放手”了。

我不知道这算不算一种乖僻，今天才在书里看到关于“乖僻”的点评。

每个人或多或少都有点“癖”，但这种无法与他人相处的孤独的“癖”，不知道有没有必要“治”呢。

2020.1

这不是我最喜欢的影片，却是后劲最大的影片。

初看时甚至觉得有些部分过于冗长，但这之后却渐渐地开始回想，一遍又一遍。

后知后觉这些片段带给我的坐立难安其实是近乡情怯。

劳吾菲尔从音乐家的梦想到送外卖的现实，人的一生好像总有一些节点预示着滑坡式的巨变。

即使在外人眼里这些巨变是一瞬间的可修复的，但带给当事人的影响却像地震后的次声波一样无声但持续且绵长，而后会在无数个惊觉“我的生活怎么一步步走到现在”时像针一样刺痛你。

所以劳吾菲尔总是忧郁的麻木的鲜少热烈的，因为有时候只有自我麻痹才能继续生活。

也许他爱上并决定寻找加布丽尔并非完全出于钟情这个素未谋面的姑娘。

我曾经也在某个时刻用尽全力，想要去抓住一件微不足道的事情。

长期对滑坡的忍耐中好像总有一次失败会让人突然觉得再也难以忍受了，这种时刻让我觉得痛苦却自我。

当录音机沙沙的声音响起时，我比任何人都希望劳吾菲尔跳上了那个起重机。

那一刻，他找回了他失落的断手和失落的自我，而我也获得了一点跳上起重机的勇气。

断手隐喻着主角自己，它努力追寻主人的身体，从某种意义上说，是希望回到最初的美好，弥补当年的缺憾。

在闪回中我们得知，主角小时候曾有个幸福的家庭，却因车祸一落千丈。

长大后，爱上一个女孩，可还是以失败告终。

种种不幸，让主角留恋过去无法释怀。

当影片结束时，断手终于回到主人身旁，却无法把自己和主人连接起来。

此时断手才明白，失去就是失去了，再也无法挽回，比起连接，分享回忆和见证主人的继续前进也许才是更好的选择。